Angela Morley, recientemente fallecida (enero de 2009), fue una compositora no demasiado conocida entre los aficionados. Su filmografía empezó en 1952 conHindle Wakes, y desde entonces fue configurando una carrera un tanto irregular por la falta de proyectos de renombre que impulsaran la misma y que demostraran su innegable valía como compositora. En sus primeros años, en realidad demasiados pues fue hasta 1971, firmaba sus scores con el seudónimo masculino deWally (Walter) Scott, quizás en homenaje al famoso escritor autor deIvanhoe.
No sería hasta 1969 que se le brindara la oportunidad de componer para una película relativamente importante; sería conCaptain Nemo and the Underwater City (La ciudad de oro del capitán Nemo), irregular filme de aventuras subacuáticas del que sólo se podría destacar precisamente la aportación musical de Morley. La banda sonora se abre con un vals muy al estiloVictor Youngque es toda una declaración de intenciones en relación a lo que va ser el resto de la partitura: melodías sencillas y de apariencia ligera pero que encierran un enorme talento creativo. Es un score de envidiable soltura,enormemente entretenido(algo que siempre es de agradecer) y que no debería pasar desapercibido en el aparatoso mercado actual de ediciones.
Ennio Morricone es uno de los grandes compositores del séptimo arte. Su estilo, de inconfundible temática, forma parte de la reciente historia del cine europeo y norteamericano. Desde The fascist en 1961 hasta Memories of Anne Frank en 2009, el músico italiano nos ha legado cerca de 500 bandas sonoras que han recorrido todos los géneros y todas las modalidades musicales.
Su relación artística con el director Sergio Leone merece por sí sola un estudio aparte. Once upon a time in America (Érase una vez en América) constituye su colaboración más emotiva, y en ella Morricone da rienda suelta a su talento a la hora de crear melodías delicadas y serenas, plenas de melancolía, que describen con singular pasión, y paradójicamente, un mundo en el que la violencia domina por completo la realidad.
Adrian Johnston es un compositor especializado en la música para series y películas de televisión que empezó su carrera en 1995 con la serie Performance, a la que seguiría un año después la adaptación para la pequeña pantalla de Muerte de un viajante. Desde entonces sus incursiones en el cine han sido breves y poco destacadas.
No sería hasta la llamada del realizador Julian Jarrold que encontrara la posibilidad de mostrar toda su gran talento. Hablo de Becoming Jane (La joven Jane Austen), filme intimista y francamente sensible que sobresale ante todo gracias al magnífico trabajo de Adrian Johnston. Es un score de envidiable belleza y elegancia, muy del gusto británico, y que cuenta con un tema principal que merece por sí solo un lugar de preferencia en la historia de la música de cine.
Tras Evening y Finding Neverland, Hachiko: A dog’s story (Hachiko: Siempre a tu lado) es la tercera banda sonora del compositor polaco Jan A. P. Kaczmarek citada en el blog. Pese a ser una película realmente emotiva, y aunque su primera parte resulta irregular y previsible, el filme de Lasse Hallström parece no haber tenido el éxito que se merecía (salvo, curiosamente, en España, Italia y Japón - boxofficemojo.com/movies -); de hecho, en Estados Unidos se estrenó de manera muy limitada.
La partitura de Kaczmarek quizá no sorprenda, pues incide en su estilo minimalista en el que el piano es el protagonista casi constante; sin embargo, la belleza incuestionable de sus temas y la solvencia hacen de este Hachiko un score que sobresale de la medianía actual gracias precisamente a su aroma clásico en el que no hay lugar para lo predecible.
Siguiendo el devenir dramático de un perro símbolo de la fidelidad, Jan A. P. Kaczmarek consigue emocionar y enternercer utilizando lo alegórico como referente de una realidad de tristeza ilimitada.
Die hard (La jungla de cristal) es hoy en día ya un clásico del cine de acción. De hecho, en la web Internet Movie Data Base su nota media alcanza el 8,3 , algo bastante inusual en la mayoría de las películas comentadas del género en dicha página. La película de John McTiernan, que encumbró en su momento al siempre irregular Bruce Willis, mantiene durante todo su metraje al espectador en un estado a medio camino entre la incredulidad y el asombro.
En lo relativo al score de Michael Kamen, editado oficialmente por Varèse 14 años después de su composición, es una muestra de su singular talento para subrayar los momentos más dinámicos de cualquier filme, aunque también saca a relucirlo en aquellos en los que el dramatismo tiñe la pantalla. Kamen crea una obra abiertamente sinfónica, de incidentalidad a prueba de vulgaridades y llena de momentos inspirados, y que, como un personaje más, forma una simbiosis perfecta con la propia película.
Orquestadores: Bruce Babcock, Chris Boardman, Philip Giffin y Fiachra Trench.
Música adicional: Bruce Babcock y John Scott (no acreditado).
Desde su primer álbum aparecido en 1978, Toto, hasta 2006 con su última grabación, Falling in between, el grupo californiano TOTO (actualmente ya no en activo) ha configurado una discografía de sorprendente e inusitada calidad musical que lo ha situado entre los grupos de rock más importantes de la historia. Mezclando con habilidad pop, rock, funky y jazz, la banda liderada por David Paich y Steve Lukather hizo su primera y única incursión en el séptimo arte en 1984 con la banda sonora del film de David Lynch producido por Dino de Laurentiis Dune, aventura filosófico-espacial basada en la irregular novela de Frank Herbert. El score incluía partes compuestas por David Paich (teclados) y su padre Marty Paich (música orquestal), así como por los demás miembros del grupo (en menor medida), además del tema Prophecy theme de Brian y Roger Eno. La partitura orquestal fue interpretada por la Orquesta Sinfónica de Viena.
Obra compleja pero de envidiable belleza, Dune es un caso aparte, por su enorme calidad, en el mundo de las bandas sonoras compuestas por grupos de rock. El corte Desert theme (05:33) conforma, junto a Take my hand (Endcredits), la parte pop-rock de la obra, y es un buen ejemplo de la profesionalidad incuestionable de TOTO.
No ha sido hasta 2005, y gracias al sello Varèse Sarabande, que los aficionados hemos podido disfrutar de The left hand of God (La mano izquierda de Dios), una de las bandas sonoras míticas del gran Victor Young. De hecho, hasta ese momento sólo existía una única grabación, en particular de su bellísimo Love theme, correspondiente a la serie de Charles GerhardtClassic Film Scores (en este caso for Humphrey Bogart).
Los que nacimos en la década de los 60 le debemos a Gerhardt gran parte de nuestra afición por la música de cine, pues gracias a las grabaciones citadas pudimos recuperar toda una serie de scores clásicos que, sin su aportación, habrían permanecido en el olvido. Curiosamente, hoy en día las ediciones de bandas sonoras de la época dorada son noticia precisamente por su incesante publicación.
En relación a The left hand of God, Young compuso una partitura de temática oriental que no evitó los temas tan afines a su personalidad y que se caracterizan por su delicadeza. El citado Love theme puede considerarse como uno de los más armoniosos y sugerentes de la historia del cine, y con él el músico norteamericano nos legó una melodía inmortal, fiel reflejo de una serie de autores casi siempre bendecidos por el don de la creatividad.
Orquestadores: Sidney Cutner, Leo Shuken (no acreditados) y Edward Powell.
John Williams, todos lo sabemos, es un genio del siglo XX. En el blog sería casi imperdonable no incluir gran parte de su obra. Pero evitando selecciones más o menos populares, cuya lista sería importante, me he decantado en esta ocasión por una de sus bandas sonoras más representativas de los últimos años: Angela's ashes (Las cenizas de Ángela). Resulta un score muy contenido, de melodías serenas y de profunda melancolía en las que Williams describe con pasión también comedida el devenir trágico de una humilde familia irlandesa.
De entre todos sus temas sobresale Back to America, representativo de la capacidad melódica de Williams, por su perfecto acabado y, sobre todo, por su belleza.
Curiosamente existen dos ediciones de la música: una con narración y otra sin ella. En el caso del tema mencionado podéis escuchar ambas.
Por cierto, un suspenso bajo al director del film Alan Parker por masacrar el genial score de John Williams en favor de canciones de época.
Rich in love (En busca del amor) es una modesta producción dirigida por Bruce Beresford que ha pasado a la historia del cine no por sus méritos artísticos sino por ser el último score de un gran autor: Georges Delerue. El músico francés mantuvo durante años una estrecha relación con el cineasta australiano, concretada en, aparte de la citada, Her alibi, Crimes of the heart, Man trouble y Black Robe.
Para Rich in love Delerue se basó, una vez más, en sus melodías sosegadas y moderadas, siempre cercanas al apasionamiento romántico, y que cautivan por su acabado impecable. Y aunque durante años se le reprochó, y no precisamente en esta su última obra, la reiteración de estructuras temáticas, en el fondo son ejemplos perfectos de lo que debe ser un acompañamiento musical en el difícil género del melodrama romántico.
John Barry es un autor sin igual en la historia del cine. Su estilo de aire aterciopelado pero, en el fondo, profundamente romántico es ya historia viva dentro del séptimo arte. Sin embargo, sus composiciones no tienen siempre ese matiz melancólico, pues gran parte de su obra recorre caminos mucho más melodramáticos u oscuros. No es el caso de este conmovedor y emocionante Chaplin, su última nominación al Oscar.
Desde 2001, con Enigma, el músico británico está retirado del cine por motivos de salud, pero sus bandas sonoras forman y seguirán formando parte de nuestras vidas. Para Chaplin compuso uno de sus temas característicos basados en tonalidades de una sobriedad evidente pero de sugerente belleza formal. Barry no se conforma, no obstante, con recrear dicho tema principal sino que recurre a toda una serie de melodías que describen el devenir de Charles Chaplin de una manera jocosa y finamente gráfica.
Orquestadores: Nic Raine y Paul Mottram (no acreditado).
Durante la era dorada de Hollywood dos grandes compositores parecían ser los especialistas del género histórico: Miklós Rózsa (Quo-vadis, Ben-Hur, El Cid, King of Kings, Sodom and Gomorrah) y Alex North (Les misérables, Desirée, Spartacus, The agony and the ecstasy, Cleopatra). Todas sus bandas sonoras son dignas de mención por su espectacular sentido de lo épico. En el caso de Cleopatra, North parece salirse un tanto de lo establecido, es decir, parece evitar lo enfático y centrarse en lo puramente sentimental y personal de la historia. Sin embargo, ello no elude la temática legendaria, centrada en imponentes fanfarrias y predominio del metal.
Alex North siempre ha sido uno de los grandes compositores del siglo XX. Su filmografía es digna de ser interpretada en salas de concierto, y Cleopatra no es, ni mucho menos, una excepción. Es un score ecléctico y lleno de armonía, predominando las melodías de tono sereno que describen con pulcra exactitud el devenir de unos personajes y de unas situaciones casi siempre bordeando lo dramático.
Orquestadores: Henry Brant, David Tamkin y Herbert W. Spencer (no acreditados).
The searchers (Centauros del desierto) es una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Steven Spielberg llegó a afirmar en una entrevista que era la mejor película jamás realizada. Lo que no cabe duda es que el filme del maestro John Ford es mucho más que una película de género.
En cuanto a la música, Max Steiner, el camaleón de la Warner Bros., fue el encargado de componer la partitura y para la ocasión no quiso dejar de lado las melodías tan afines al gusto de Ford en las que predominaba el componente tradicional folk. Sin embargo, el artista austriaco no se limitó, como en otras producciones de John Ford, ha subrayar superficial e ingenuamente las imágenes, sino a dar aún más énfasis al componente dramático de la historia.
Es un score poderoso en el que Steiner parte de un tema central de apariencia sencilla para ofrecer a continuación todo un concierto sinfónico repleto de momentos inolvidables gracias a su temática entre afligida y trágica.
El tándem Elfman/Burton es uno de los más fructíferos en la historia del cine. Su estrecha colaboración ha legado algunas de las más enriquecedoras películas del séptimo arte, tales como The nightmare before Christmas, Edward Scissorhands, Charlie and the Chocolate Factory o este Big fish, hermosísima fábula sobre el orgullo y el amor sin condiciones.
El score de Danny Elfman es un canto mágico en el que no hay lugar para la vulgaridad, pues todo en él es simplemente perfecto. Sus melodías etéreas, plenas de belleza y luz, son el exponente de un autor que, fuera de los retoricismos del cine de superhéroes, refleja a través de su personal estilo toda una paleta musical en la que los temas de profunda delicadeza protagonizan una especie de concierto impresionista de colorido luminoso.
Orquestadores: Jeff Atmajian, Steve Bartek, Jane Antonia Cornish, Edgardo Simone y David Slonaker.
Hoosiers (Hoosiers: Más que ídolos) es una película de temática deportiva que hoy en día aún permanece como una producción modesta pero realmente emotiva gracias a las eficientes interpretaciones de Gene Hackman y, sobre todo, Dennis Hopper. Pero en dicha eficiencia emocional juega un papel esencial la enérgica partitura del maestro Jerry Goldsmith, quien compuso una obra a medio camino entre el dinamismo de la percusión digital (muy efectivo en las escenas deportivas) y el apasionamiento melódico. Para ello Goldsmith volvió a servirse de su bien conocida simbiosis entre música electrónica y orquestal, en un conjunto que, una vez más, resultó de una efectividad incuestionable.
Hoosiers supuso una más que merecida nominación al Oscar, que, incomprensiblemente, cayó en manos de Herbie Hancock por Round midnight. De hecho, el músico californiano sólo lo ha ganado en una ocasión, por The omen. Una muestra más de la ceguera “académica” a la hora de reconocer el talento de los auténticos artistas.
Hablar de Franz Waxman es hablar de uno de los músicos más importantes del siglo XX, cinematográficos o no. Su obra es de tal calidad que sobran todos los calificativos.
Gracias de nuevo a la excelente labor de Film Score Monthly (FSM), recientemente salió al mercado (octubre de 2007) la edición completa de su magnífico score The Silver Chalice (El Cáliz de Plata), film de ambientación histórica protagonizado por Paul Newman en 1954. Después de haber conseguido sus dos merecidos Oscars por Sunset Boulevard y A place in the sun, Waxman volvió a demostrar que todo lo que tocaba se convertía en pieza de museo. Melodías de carácter acompañadas por una orquestación suntuosa dominan la partitura. Todo es bello y perfecto; todo tiene el aroma de la magia del artista en estado de gracia. La edición se presentó en dos CD, con sonido mono pero producción intachable. De imprescindible audición.
Entre 1987 y 1988 Christopher Young compuso la música para las dos primeras entregas de la saga Hellraiser. La primera fue toda una sorpresa por la originalidad del score, ya que empleaba un sinfonismo alejado de las atonalidades electrónicas típicas del género de terror. Para la continuación, Hellraiser II: Hellbound, Young se decantó por lo obvio, es decir, mantener la temática protagonista de su predecesora pero acentuando aún más el componente espectacular de la música.
Es una banda sonora de imponente orquestación, a cargo del propio autor, que deja de lado las poco edificantes imágenes para elaborar toda una sinfonía del horror, que es, en el fondo, marca de estilo del artista nacido en Nueva Jersey.
An american tail (Fievel y el Nuevo Mundo) es una de mis bandas sonoras favoritas. Como tantas otras, esta afinidad tiene razones personales debidas a recuerdos ya lejanos, y razones más objetivas debidas a la calidad artística del score.
Hoy en día el cine de animación ha dado, salvo excepciones como The princess and the frog, un giro de 180 grados. Las tres dimensiones parecen haberse impuesto en la gran pantalla, aunque, hay que reconocerlo, su éxito ha impulsado su desarrollo y todos los años se estrenan muchas más películas que en la época en la que Disney copaba el mercado.
En el caso de An american tail, producción de Steven Spielberg que fue uno de los primerizos intentos en demostrar que la factoría Disney no era la única en el juego, nos encontramos ante una magnífica historia desarrollada de manera impecable y que se beneficiaba enormemente de la maravillosa partitura de James Horner. El músico californiano da lo mejor de sí mismo en el género, y prueba de ello son sus obras maestras Fievel goes west (la segunda parte de la citada), The land before time o The Pagemaster. Para An american tail se sirvió de su estilo clasicista alejado de grandilocuencias superficiales y de las canciones compuestas a dos manos con Barry Mann, modelos de función dramática dentro de la historia del filme.
Splash (1,2,3,…Splash) fue uno más, en este caso primerizo, de los intentos por parte del gran Lee Holdridge de hacerse un hueco dentro del cine de los grandes estudios. Desgraciadamente, o afortunadamente, según se mire, el bueno de Holdridge casi nunca ha tenido la oportunidad de demostrar su inagotable talento musical en el mundo de la gran pantalla, centrando gran parte de su obra en la televisión y más recientemente en los documentales.
En el caso de Splash el score no fue publicado digitalmente hasta el año 2000, gracias a una edición promocional que ha brindado al aficionado la oportunidad de descubrir una banda sonora en apariencia aterciopelada, pero cuyo fondo muestra la complejidad de una creación musical de innegable belleza y cuyo tema central es ya uno de los más destacados de la filmografía de Lee Holdridge.
Como curiosidad señalar que el tema final orquestal original (Return home / Love theme) fue suprimido por los productores para incluir la inevitable, y evitable, canción más o menos oscarizable. Así es Hollywood.
Far and away (Un horizonte muy lejano) fue una de las propuestas cinematográficas más alocadas en las carreras de Nicole Kidman, Tom Cruise y Ron Howard, su director. Situada a medio camino entre el western, la comedia, el melodrama y el cine histórico, la película se convirtió en un producto en exceso ambicioso que sólo destaca en su tramo final, aquel en el que el espíritu del cine del oeste ilumina con más o menos brillo la función.
El score de John Williams, secundado por la interpretación en los momentos folk de The Chieftains, es un ejemplo de revisitación de los modelos clásicos de música cinematográfica, rica en matices temáticos y abiertamente sinfónica. Es pues un soplo de aire fresco, como sólo Williams sabe hacer últimamente, que recupera ese aroma añejo en el que la música describía las imágenes con soprendente imaginación.
De la banda sonora es difícil destacar algún tema, pero quizás el épico The land race, así como Oklahoma territory, resumen el espíritu tradicional de un score sobresaliente y casi único.
Orquestadores: John Neufeld y Bobby Muzingo (no acreditado).
Para muchos Bill Conti es tan sólo el director de orquesta de la entrega de los Oscar. Para los aficionados a la música de cine es un magnífico artista autor de inolvidables partituras: Rocky (1976), FIST (1978), The formula (1980), The right stuff (1983), A prayer for the dying (1987), North and South (TV) (1985),…o Masters of the universe (Masters del universo).
La discográfica La-La Land Records editó en verano de 2008 el score completo de esta última banda sonora, que es un sentido homenaje al clasicismo de autores como Erich W. Korngold, John Williams o Jerry Goldsmith. Partiendo de una inspirada fanfarria que constituye el tema central de la obra, Conti crea una serie de melodías que se sitúan muy por encima de las ingenuas imágenes de la película. De hecho, ésta sale más o menos viva del desastre gracias a la aportación de Bill Conti.
Orquestadores: Ralph Ferraro, William Kidd, Joel Rosenbaum y Bill Conti.
Con apenas 23 años el joven Marvin Hamlisch inaugura su fructífera carrera como compositor cinematográfico en 1968 con esta inclasificable película producida y protagonizada por el gran Burt Lancaster, odisea personal que fue un estrepitoso fracaso en su época y que tardó dos años en estrenarse. Sin duda alguna, el score de Hamlisch es, junto al Ciudadano Kane de Bernard Herrmann, la obra iniciática más sobresaliente de la música cinematográfica. Quizás la comparación con Herrmann sea un tanto excesiva, pero hay que reconocer que la fuerza y la inspiración inusual del score de Hamlisch bien se merecen dicha comparación.
Es una música de claras influencias pop y jazz en muchos cortes, pero que destaca de manera ejemplar en aquellos temas de impresionante dramatismo orquestal y que sobrecogen por su energía y dinamismo. FSM vuelve una vez más a sorprendernos agradablemente con una edición lujosa y de cuidadísimo sonido. Imprescindible.
La penúltima producción de Vincent Ward, River Queen, es una arriesgada apuesta por el cine de autor más íntegro. Sin embargo, su propuesta resulta en ocasiones muy tediosa y hasta pretenciosa debido a un guión confuso y a una realización preocupada por ser demasiado original. Esto no le sucede al score del músico gales Karl Jenkins, quien, dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Londres, ofrece un concierto a medio camino entre lo clásico y lo cinematográfico. Son dos lenguajes que cuando se intentan emparentar suele ocurrir que el resultado resulte pedante y aburrido. No es el caso de la partitura de Jenkins (autor, por cierto, de tan sólo dos bandas sonoras para el cine), caracterizada por su sobriedad y brillantez, y una rara avis hoy en día en el mundo de la música para la gran pantalla debido a su estilismo puro y poco recargado.
Michael Convertino es uno de los compositores cinematográficos más destacables y, a la vez, menos reconocidos de los últimos 20 años. Nacido en 1953, su carrera empezó con el reputado corto de Tim Burton Frankenwenie (1984) y desde ese momento ha cimentado una carrera caracterizada por la sobriedad y la calidad de sus melodías. Fue en 1986 y gracias a su partitura para Children of a lesser god cuando Convertino despuntó en la música para la gran pantalla. The doctor (1991), The Santa Clause (1994) o la ya comentada Bed of roses (1996) forman parte de una filmografía corta (poco más de 30 scores) pero brillante, pues aunque no ha participado en películas de renombre sus trabajos desprenden el aroma de los grandes artistas que emocionan y conmueven gracias a su genio.
Cuando se escuchan sus scores siempre se tiene la poco común sensación de encontrarse ante un autor que domina la paleta orquestal sin artificios. Y ello no es en vano pues ha sabido relacionarse con orquestadores de enorme talento, destacando John Neufeld, habitual de John Williams.
Guarding Tess (Tess y su guardaespaldas) es probablemente su composición más impecable. Partiendo de un tema inicial que homenajea a las inmortales oberturas operísticas de Mozart, Michael Convertino realiza un dinámico divertimento pleno de impetuosidad y viveza. A continuación nos agasaja con uno de los temas más bellos de los últimos años, Patriots, arreglado en el tema que sirve de modelo al score: With you alone (archivo de audio).
Todo es perfecto en este score de exquisita frescura y sensibilidad que los amantes de la buena música no deben dejar de lado.
Orquestadores: Conrad Pope, John Neufeld y Bobby Muzingo.
Robocop fue la segunda de las colaboraciones entre Basil Poledouris y el realizador holandés Paul Verhoeven, relación que empezó en 1985 con la aventura medieval Flesh + Blood, a la que seguirían la mencionada Robocop en 1987, además de Starship Troopers (1997). Verhoeven siempre se ha caracterizado por ser un director fuera de lo común, y para el que la violencia y el erotismo han jugado una función primordial en sus producciones.
En el caso de la aventura de ciencia-ficción que es Robocop, Poledouris se apoyó en su poderoso y fanfárrico tema central, muy al estilo de las películas de superhéroes en las que la melodía principal suele marcar la partitura. La banda sonora es pues una sucesión temática en la que los arreglos a partir del Main title configuran un score intenso, dinámico, no exento de oscuro dramatismo y de una eficiencia, en definitiva, remarcable.
En muchas ocasiones la afinidad con una película provoca mayor apego con su banda sonora, incluso cuando ésta no sería especialmente destacable por su originalidad. En relación a esto último no es el caso de Carlito’s way (Atrapado por su pasado), pues tanto el filme de Brian de Palma como el score de Patrick Doyle forman ya parte de la historia del cine por su maestría.
El músico británico compuso un tema central (Remember me) de tono elegiaco que anuncia, como el propio prólogo, el desenlace final, un anuncio del drama que está por venir. Ese toque abiertamente melancólico y triste del inicio de la banda sonora deja paso a una serie de melodías más próximas a la ambientación melodramática típica del género, sobresaliendo el enérgico y extenso Grand Central, que subraya musicalmente la extraordinaria escena final en el metro y la estación.
Orquestadores: Lawrence Ashmore y John Bell (no acreditado).
Lethal weapon (Arma letal) es un ejemplo de lo que debe ser una banda sonora de acción, pues combina con singular destreza la música pop-rock y la sinfónica, en una especie de simbiosis orquestal que resume el estilo ecléctico del añorado Michael Kamen.
Para el dinámico filme de Richard Donner (director también de las tres continuaciones), el compositor neoyorquino contó con la inestimable colaboración de David Sandborn (saxo) y Eric Clapton (guitarra), aunque en ambos casos su participación más que reflejar la eficiencia de sus creaciones musicales demostró su capacidad interpretativa en sendos instrumentos.
Lethal weapon fue editada en 1987 en una de esas publicaciones paupérrimas en cuanto a la extensión del score, dejando de lado gran parte del memorable trabajo de Kamen. Afortunadamente, en 2002 apareció en el mercado una nueva edición que sí incluía los mejores momentos de acción de la música de Kamen, en especial los pertenecientes al epílogo de la película, y que reflejaban su maestría en el dominio de las escenas de acción.
Orquestadores: William Ross, Bruce Babcock, Chris Boardman, Philip Giffin y Michael Kamen.
En 1959 Max Steiner era para muchos el compositor por excelencia en Hollywood. Ya contaba por aquel entonces con más de 70 años y aún seguía componiendo partituras plenas de brillantez y frescura. De hecho, su obra siempre se ha caracterizado por ser lúcida en lo melódico y abiertamente tradicional en lo descriptivo. Para Steiner la música debía ser interpretada con enérgica intensidad, otorgando especial protagonismo a la percusión y al metal, y dando con ello un nuevo rumbo a la música en la época dorada de Hollywood.
Para el filme de aventuras John Paul Jones, protagonizado con vigor por un jovencísimo Robert Stack, el músico de origen austriaco no traicionó su sentido de lo épico y compuso un score en el que el tema central domina con prestancia la banda sonora, pero secundado por melodías de carácter que subrayan las andanzas legendarias de un héroe de la historia norteamericana, aunque a medio camino entre lo bélico y lo romántico.
Debo confesar que descubrí la obra de Marco Frisina un poco tarde, en 2002, y gracias a su score para la miniserie de la RAI Papa Giovanni. Prácticamente toda su obra, centrada en exclusiva en la televisión, son composiciones para producciones de carácter religioso, pues Frisina es el director de la Oficina Litúrgica del Vicariato de Roma, siendo de hecho monseñor.
Papa Giovanni es quizás su banda sonora más reconocida dentro del mundo de la música para la televisión, y en ella destaca su tema central, majestuoso y profundamente lírico, cercano en lo melódico a los temas tradicionales místicos.
Frisina desarrolla una partitura muy emotiva que rinde homenaje al Papa Juan XXIII a través de una temática que ambienta con sorprendente placidez y delicadeza la figura de un hombre más allá de lo cotidiano.
