Día 52: "Dances with wolves" de John Barry (1990)


Alejado del mundo del cine desde 2001, año en el que compuso Enigma, John Barry es uno de los pilares de la música de cine, a pesar de sus detractores, que no son pocos. Desde 1959 ha compuesto más de cien bandas sonoras, recibiendo cinco merecidos Oscar: Born free (canción y score), The lion in winter (score), Out of Africa (score) y Dances with wolves (score). Esta última representa una de las cimas de su carrera, y en mi caso particular guardo un especial recuerdo de ella, pues fue mi primer CD. Pero aparte de consideraciones emotivas más o menos superficiales y subjetivas, Dances with wolves es un score que mezcla de una manera ejemplar los dos estilos tan afines a Barry, el románticamente refinado y el intensamente enfático.
Desde su Main title, subtitulado Looks a suicide, hasta Pawnee attack, pasando por los delicados temas The wolf theme o The John Dunbar theme, y sin olvidar el que es quizás más atinado, The buffalo hunt, el score recorre con generosidad toda la paleta de John Barry que, curiosamente, se aleja del western tradicional en el que imperaba el sonido "americana" (Moross, Copland, Bernstein).

Orquestación: Greig McRitchie & Mark McKenzie.



Leer más »

Día 51: "Henry V" de William Walton (1944)


The Chronicle History of King Henry the Fift with His Battell Fought at Agincourt in France (Enrique V) es el décimo score de un genio de la música: William Walton. De su obra mucho le debemos a Neville Marriner y al sello Chandos por la publicación en 4 CD de sus inmortales colaboraciones con Lawrence Oliver, aunque también se incluían otros trabajos como Escape me never o As you like it.
Para su Enrique V Walton elaboró una partitura de imponente orquestación, muy al estilo británico en el que sobresalen autores como Elgar, Bliss o Vaughan-Williams. Es una banda sonora que cuenta con la narración de Christopher Plummer y que, pese a provocar distanciamiento en el oyente que desconozca la lengua de Shakespeare, no interfiere demasiado por su entonado dramatismo.
De William Walton podría reseñar cualquiera de sus obras cinematográficas, pero es este Enrique V quizás su pieza orquestal más impactante por sus melodías épicas pero delicadas, plenas de expresividad sinfónica y que seducen desde sus primeros compases.

Orquestación: Roy Douglas.

Leer más »

Día 50: "The heiress" de Aaron Copland (1949)


The heiress (La heredera) es una de las escasas incursiones del maestro Aaron Copland en el mundo del cine (cerca de una decena). Curiosamente el año de su composición, 1949, fue también el de The red pony, su otra obra maestra. De hecho, esta segunda es interpretada con regularidad en salas de concierto pues el músico nacido en Nueva York realizó para ello una suite del score.
The heiress es una película victoriana de William Wyler que se benefició de la sugerente y clasicista composición de Copland, quien a través de su estilo americana realizó todo un tour de force clasicista, bastante alejado no obstante de la moda de la época en Hollywood, inspirada en el carácter enfático impuesto por autores como Max Steiner o Alfred Newman. Para Copland la música de cine no debía ser demasiado retórica sino más bien sutil, algo evidente en este score de temática con fachada apasionada pero fondo conmovedoramente trágico.
Como curiosidad indicar que, como en el caso anterior de Into the night, tampoco existe edición de la partitura en CD, sólo un bootleg extraído de los acetatos originales que podéis descargar del enlace de Fanfare for Aaron Copland.
Orquestación: Nathan Van Cleave.



Leer más »

Día 49: "Into the night" de Ira Newborn & B.B. King (1985)


Otro caso flagrante en la historia de la edición discográfica es la banda sonora de la entretenida película de John Landis Into the night (Cuando llega la noche). Y lo es, por lo que sé, ya que hasta la fecha no se ha publicado el CD de la misma, pese a ser una de las grabaciones más deseadas por los aficionados, y no sólo de la música cinematográfica.
Mis preferencias se decantan por las bandas sonoras con score original y en raras ocasiones encuentro en aquellas que incluyen canciones, con la evidente salvedad del cine musical, motivos de aplauso. Una de esas excepciones es Into the night, que cuenta con dos temas del dinámico score original compuesto por Ira Newborn (aliado perfecto de las canciones) y con los inolvidables temas del gran B.B. King. Es una música donde el blues reina de principio a fin en un festival musical que es modelo de solidez creativa.
No hay tema que resulte sobrante, pero destacan especialmente el que da título a la película y los clásicos In the midnight hour y My Lucille, exponentes de un estilo que ha marcado una época en la música norteamericana.
Orquestación (score): Alf Clausen.



Leer más »

Día 48: "The count of Monte Cristo" de Edward Shearmur (2002)


The count of Monte Cristo (La venganza del Conde de Montecristo) es obra del irregular compositor inglés Edward Shearmur, del que destacan bandas sonoras como Reign of fire o, sobre todo, Sky Captain and the world of tomorrow. Para la interesante y afinada película de Kevin Reynolds protagonizada por el excelente actor Jim Caviezel, Shearmur compuso un score de refinada y dramática caracterización en el que brilla el tema central, desarrollado con prestancia en la suite de los títulos finales de crédito.
The count of Monte Cristo resulta una partitura que se ajusta como un guante a la historia de la novela inmortal de Alexandre Dumas, pues Edward Shearmur se decanta por melodías a medio camino entre el drama opresivo y el romanticismo más delicado. No es una banda sonora que busque el camino fácil, ya que evita lo enfático; es cierto que utiliza en algún momento la intensidad de los temas épicos pero el músico británico prefiere imprimir a su obra de una tonalidad más sutil que eluda lo previsible.

Orquestación: John Bell, Robert Elhai & Brad Warnaar.


Leer más »

Día 47: "Furin Kazan" de Akira Senju (2007)


Existen compositores que en sus países de origen tienen un prestigio indudable pero que en el resto del mundo pasan prácticamente desapercibidos. Es el caso del músico nipón Akira Senju quien en Japón es considerado como uno de los compositores más influyentes, de hecho ha sido nominado tres veces en los premios de la Academia de Cine Japonesa.
Músico para la televisión y el cine desde 1988, Senju parece, a tenor de su partitura para la serie Furin Kazan producida en 2007 (único trabajo hasta el momento que conozco junto a Suna no utsawa, de 2004), un autor en la línea de Joe Hisaishi, pues sus melodías se caracterizan por su elegancia y belleza.
Furin Kazan es todo un descubrimiento. Interpretada por dos orquestas, la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de la NHK, bajo la dirección de Mario Klemens, la obra es un modelo de composición y en ella se hermanan armoniosamente temas de enorme fuerza sinfónica con otros más reposados y románticamente evocadores. Una banda sonora de lujo.



Leer más »

Día 46: "The accidental tourist" de John Williams (1989)


Desde siempre se ha reprochado a John Williams el hecho de no tener en su obra cinematográfica partituras de marcado tono romántico, lo cual en cierta manera se puede considerar un tanto injusto pues el maestro neoyorquino sí tiene en su haber bandas sonoras que se podrían catalogar como románticas: Jane Eyre (1970), The accidental tourist (1988), Always (1989), Stanley and Iris (1990), Sabrina (1995), Stepmom (1998). Todas ellas se caracterizan por un elemento en común: la belleza de sus melodías, generalmente únicas y que se repiten en esmerados arreglos que dibujan a la perfección la ambientación amorosa.
Film Score Monthly reeditó hace unos meses The accidental tourist (El turista accidental), una de sus creaciones más monotemáticas y a la vez más emotivas. En tan sólo doce cortes, todos ellos sublimes, Williams nos describe el aparentemente vacío mundo del protagonista pero que en el fondo encierra una gran complejidad emocional. El filme de Lawrence Kasdan es hoy ya todo un clásico (merecidamente) y la banda sonora a su vez un elemento primordial a la hora de calatogarlo como tal.
Orquestación: Herbert W. Spencer.




Leer más »

Día 45: "Trick'r treat" de Douglas Pipes (2009)


La filmografía del joven compositor Douglas Pipes no llega a las diez obras. La que es, sin duda alguna, su banda sonora más reconocida es Monster house. Ahora nos llega esta interesante comedia de terror, muy al estilo Creepshow, pero que, aunque es un filme más que notable, en EEUU ha pasado directamente a vídeo.
Douglas Pipes ha compuesto una música que bebe del estilo inconfundible de Bernard Herrmann, pero dotándola de carácter propio, algo que sobresale en su tema principal, que se puede oír en los títulos iniciales y finales. El score recorre con habilidad los caminos trillados de la comedia y el terror, pero con una sugerente capacidad creativa que hace de este Trick'r treat una de las sorpresas del año y otra banda sonora que, cómo no, pasará sin pena ni gloria por no estrenarse junto antes de los Oscar....
Orquestación: Bruce Babcock, Jim Honeyman & Jon Kull.

Leer más »

Día 44: "The Shoes of the Fisherman" de Alex North (1968)


El mismo año que se estrenó 2001: A space odissey, Alex North compuso también (no olvidemos que en el anterior caso su partitura fue rechazada por Stanley Kubrick) la música para The Shoes of the Fisherman (Las Sandalias del Pescador), filme de tono casi apocalíptico que se benefició enormemente de la labor de North.
Apoyándose en una temática de apariencias enfáticas, el compositor norteamericano desarrolló una obra de increíble belleza, sin fisuras y llena de momentos perdurables. Desde la obertura solemne hasta el Main title (que podéis escuchar en el vídeo de Youtube), sin olvidar temas como Coronation o, sobre todo, el que se utilizó como música de salida (Exit music) una vez terminada la película, y que curiosamente en las ediciones en vinilo aparecía con el dudoso título de Rome, conforman una insigne partitura, para mí una de las diez mejores de la historia del cine, y que encierra todo lo mejor de un autor con mayúsculas que supo como pocos entender que las obras para el séptimo arte también podían (y debían) tener vida más allá de la pantalla.

Orquestación (sin acreditar): David Tamkin.


Leer más »

Día 43: "The last Starfighter" de Craig Safan (1984)


¿Qué ha sucedido con la carrera de ese gran compositor llamado Craig Safan? ¿Por qué desde que triunfara en 1984 con The last Starfighter (Starfighter: La aventura comienza) Hollywood se ha olvidado de él? Perdido entre series (Cheers sobre todo) y miniseries desconocidas, Safan es uno de los músicos más desaprovechados de la historia del cine (le siguen de cerca Joel McNeely, Lee Holdridge, John Scott y Bruce Broughton).
Con poco más de 30 años su carrera dio un giro de 180º gracias a su score para The last Starfighter, película de aventuras espaciales de corte familiar que fue en relativo fracaso de taquilla (inmerecido pese a su ingenuidad) y que actualmente es un filme de culto. En cuanto a la banda sonora, Safan compuso una partitura de descarado tono fanfárrico que se benefició no sólo de unas magníficas melodías, en las que imperaba una tonalidad jovial, sino de las excelentes orquestaciones de Alf Clausen, autor de la música incidental de series como Los Simpson, Alf o Luz de luna. Curiosamente, se encuentra actualmente en preproducción la continuación de la película, de cuyo score es posible que se vuelva a encargar Safan.
Orquestación (no acreditada): Alf Clausen.



Leer más »

Día 42: "Tales of Beatrix Potter" de John Lanchbery (1971)


John Lanchbery, recientemente fallecido en 2003, fue un compositor británico de corte clásico que es conocido entre los amantes de la música de cine por su excepcional partitura para la película Tales of Beatrix Potter (Los cuentos de Beatrix Potter), adaptación cinematográfica en forma de ballet de Reginald Mills, además de por sus arreglos para otro film de igual género como es Nijinsky (1980).
En cuanto a su composición para los relatos de la escritora Beatrix Potter, Lanchbery creó una obra inspirada en el clasicismo del siglo XIX y principios del XX, y en la que es evidente la influencia de autores como Tchaikovsky, Prokofiev o Strauss. Cada uno de los temas que configuran la banda sonora [The Tale Of Two Bad Mice, The Tale Of Squirrel Nutkin, Mrs Tiggy-Winkle's Laundry, The Tale Of Jemima Puddle-Duck, The Tale Of Jeremy Fisher (extracto), The Tale Of Pigling Bland, The Mouse Waltz & Finale (extracto)], son pequeñas obras maestras que se escuchan una y otra vez sin descanso, pues en ellas todo es perfecto. Es, en definitiva, un clásico imperecedero de la música de cine que no debería faltar en ninguna discoteca.

Leer más »

Día 41: "LAIR" de John Debney (2007)


Un mundo en destrucción donde los hombres, a lomos de dragones, luchan por recuperar la paz perdida. Batallas cruentas y combates sin cuartel son los protagonistas de este vídeojuego de PS3 que cuenta con una de las bandas sonoras más espectaculares de los últimos años. ¿Su autor? John Debney.
El músico californiano, nacido en 1956, hace todo un alarde de su conocido virtuosismo sinfónico y ofrece una partitura que no parece pertenecer al particular mundo de las vídeo-consolas,dominado casi siempre por enfáticos ejercicios electrónicos, sino más bien a una gran superproducción de Hollywood. Es un score de sorprendente espectacularidad y lucidez melódica que recuerda su obra más reconocida por los aficionados, Cutthroat Island(1995). No hay momento de descanso en la partitura y toda ella está configurada como un concierto de impresionante ambición orquestal que a buen seguro hará las delicias de aquellos que busquen emociones fuertes.



Leer más »

Día 40: "Mutiny on the Bounty" de Bronislau Kaper (1962)


Más de 100 bandas sonoras, entre el viejo y el nuevo continente, componen la obra cinematográfica del músico polaco Bronislau Kaper, siempre marcada por la tradicional distinción y elegancia característica de los compositores europeos emigrados a Hollywood antes de la Segunda Guerra Mundial.
De entre sus scores se pueden citar por su importancia Gaslight (1944), Lili (1953), por el que ganó su único Oscar, The Swan (1956), The brothers Karamazov (1958), Lord Jim (1965) y, por supuesto, su obra maestra, Mutiny on the Bounty (1962), una de las creaciones musicales más importantes de la década de los 60, por no decir de la historia del cine.
Mutiny on the Bounty es un poderoso trabajo dominado por los temas étnicos, que se ven majestuosamente acompañados por otros más clásicos en su desarrollo, en especial el inmortal tema central reflejado en Overture. Aún me viene a la memoria el añejo vinilo editado por MCA Classics, de sonido muy alejado de lo digital, mil veces reproducido y que hace cinco años, con la publicación del score completo por parte de Film Score Monthly, demostró que el LP era tan sólo un aperitivo del plato que escondía una pieza musical mayúscula y de belleza imperecedera.




Leer más »

Día 39: "Mr. Magorium's Wonder Emporium" de Alexandre Desplat & Aaron Zigman (2007)


Mr. Magorium's Wonder Emporium (Mr. Magorium y su Tienda Mágica) constituye un caso singular en la música de cine, pues es la obra de dos autores que no colaboraron desde el principio. En realidad, Alexandre Desplat era el músico contratado inicialmente, y de hecho compuso el tema principal, pero tuvo que abandonar el proyecto, que cayó en manos de Patrick Doyle, quien a su vez también lo dejó, recayendo por fin en Aaron Zigman. Esta historia rocambolesca afortunadamente tuvo un desenlace feliz, pues los dos compositores firmaron uno de los scores más emotivos y refinados de la presente década.

Por un lado nos encontramos con la temática juguetona desarrollada por Desplat; y, por otro, las melodías aterciopeladas (en el buen sentido) y plenas de sensibilidad de Zigman. Entre ambos surge la magia de una banda sonora increíblemente entretenida, que sorprende por ser académica pero de apariencia novedosa y que, pese a las deficiencias de la película, resulta un trabajo sugerente y sólidamente acabado.

Orquestación: Alexandre Desplat, Jerry Hey, Dan Higgins, Patrick Kirst, Bill Reichenbach, Brad Warnaar, Gernot Wolfgang & Marcus Trumpp.



Leer más »

Día 38: "Return of the Jedi" (1983)


Return of the Jedi (El retorno del Jedi) debería haber sido la primera banda sonora de esta larga lista de 365. ¿Por qué? Bueno, en realidad, como tantas otras ésta tiene su historia particularmente emotiva: fue mi primer disco de vinilo. Aunque sólo fuera por este recuerdo, el espectacular score de John Williams es una parte muy importante de mi amor por la música de cine.
Sobre el score, todo o casi todo está dicho. En él luce con su habitual esplendor ese brillo tan particular de Williams que ha hecho de sus composiciones obras únicas en la historia de la música para la gran pantalla. Desde los escasos 45 minutos de la edición en vinilo a la que hice referencia, hasta la posterior y plausible publicación de las casi dos horas de la partitura completa, Return of the Jedi supone la culminación del estilo académico pero innovador en el que Williams siempre se ha movido como pez en al agua, aunque con la vital aportación artística de las perfectas orquestaciones de su inseparable amigo Herbert W. Spencer, al que ayudó un incipiente y jovencísimo Thomas Newman.
Si me centro en la edición del LP (en el caso de Williams alejada de la banda sonora original, pues el músico neoyorquino ha realizado casi siempre regrabaciones exclusivas para la edición en LP o CD), hay dos temas que destacan: Luke and Leia (revisitación de los dos temas de amor anteriores) y The forest battle (modelo de incidentalidad).
Como curiosidad señalar que Fred Steiner compuso música adicional, aunque sin acreditación.

Orquestación: Herbert W. Spencer & Thomas Newman.




Leer más »

Día 37: "Sea of dreams" de Luis E. Bacalov (2006)


Luis Enríquez Bacalov (Buenos Aires, 1933) permanece en la memoria de todo aficionado por el inolvidable tema central de Il postino (1994), obra por la que consiguió un merecido Oscar. En ocasiones una melodía tiene la capacidad de perdurar por su fuerza o por su destreza melódica; es el caso de la pieza citada, donde la magia de un acordeón sirve de acompañante inseparable de los personajes y de su devenir vital. Sin embargo, Bacalov no debe ser recordado solamente por una banda sonora, pues su filmografía despierta ya en 1960 con el film italiano La banda del buco. Fue el comienzo de su estrecha vinculación a la cinematografía transalpina, aunque también ha colaborado con el cine americano, español y francés.
Uno de sus últimos scores es la producción inspirada en el realismo mágico dirigida por José Bojórquez, y protagonizada por Sonia Braga, Angélica María y Johnathon Schaech, Sea of dreams (2006). Bacalov realiza una composición dominada por melodías de suave musicalidad en las que la cuerda y el bandoneón, una vez más, son los artistas de la función, arropando los dos temas principales a través de tonalidades insinuantes y apacibles. Es en definitiva un trabajo que recuerda a su Cartero añorado (y en muchos momentos lo mejor de su coetáneo Ennio Morricone), y donde el elemento folclórico también desempeña un papel protagonista, derivando en un ejercicio musical distinguido por su elegancia y delicadeza, aunque no exento de tintes melodramáticos.


Leer más »

Día 36: "Ratatouille" de Michael Giacchino (2007)


Salut, c’est Michael Giacchino! Voilà le savoir faire! Voilà un bon musicien! Du calme, que no os voy a martirizar con mis lecciones de francés para adolescents, que para eso tengo el resto del año. Ratatouille es la segunda incursión de Giacchino en el mundo Pixar-Disney tras el fenómeno The Incredibles, o lo que es lo mismo, el homenaje encubierto al maestro John Barry. En la presente nos encontramos ante un score comme il faut, es decir, una partitura alocada, desenfrenada, ágil, vibrante, divertida, apasionada; una música enfin llena de vitalidad que es la demostración definitiva de que estamos ante un artista con mayúsculas. Giacchino maneja como pocos la rítmica sinfónica y nos ofrece un festival de sonoridades, como no podía ser menos en una producción animada, y donde la orquestación sorprende por su energía.
En realidad, todos los grandes compositores dan lo mejor de sí en la aventura del cine de animación: James Horner (An merican tail, por citar sólo una), Elmer Bernstein (The Black Cauldron), Jerry Goldsmith (Mulan), Leonard Rosenman (The Lord of the Rings), James Newton Howard (Dinosaur), David Newman (Anastasia),....
Un score sobresaliente. Un músico con un futuro más que prometedor.
Orquestación: Tim Simonec & Larry Kenton.


Leer más »

Día 35: "Pacific Heights" de Hans Zimmer (1990)


Pacific Heights (De repente, un extraño) fue mi primera banda sonora, por supuesto en vinilo, del músico alemán Hans Zimmer, quien ya me había dado muestras de su talento en tres obras anteriores: Paper house (1988), Rain Man (1988) y Driving Miss Daisy (1989). Fue quizás la segunda la que me acercó a ese estilo tan peculiar que utilizaba con elegancia y originalidad los sintetizadores. Pero Zimmer no quiso anquilosarse y como buen compositor que es poco a poco incluyó a la orquesta, que aparecía en sus scores casi de manera imperceptible.
Pacific Heights, thriller más que correcto de John Schlesinger, se benefició en cuanto a su música de la enérgica orquestación de la también compositora Shirley Walker, quien además dirigió la partitura, teniendo como ayudantes a dos orquestadores de prestigio como Steve Bartek (asiduo en la obra de Danny Elfman) y Bruce Fowler (inseparable colaborador de Media Ventures). Todos ellos contribuyeron a esculpir una banda sonora que definió en gran medida el estilo de Hans Zimmer, marcado por las melodías dinámicas y enfáticas en las que siempre había un lugar para lo sentimental.

Orquestación: Shirley Walker, Steve Bartek & Bruce Fowler.




Leer más »

Día 34: "Tai-Pan" de Maurice Jarre (1986)


Tai-Pan es una curiosa pero fallida producción de Dino de Laurentiis que pasó con más pena que gloria por los cines, y que contó con el salvavidas artístico de la música del compositor francés Maurice Jarre.
La segunda mitad de la década de los 80 marcó un antes y un después en la obra de Jarre, pues en ella, además de la citada, encontramos partituras tan destacables como Witness (1985), The bride (1985), Enemy mine (1985), Moon over Parador (1988), Gorillas in the mist (1988) o Deads Poets Society (1989). Y digo un antes y un después ya que Jarre desarrolló por aquel entonces, y en algunas bandas sonoras con anterioridad, un estilo que mezclaba con solidez y cierto sentido del riesgo lo electrónico y lo orquestal.
En el caso de Tai-Pan se decantó por lo segundo, componiendo un score realmente intuitivo en lo melódico y abiertamente espectacular en su colorido orquestal. Su tema principal, del que Jarre realiza modélicas variaciones a lo largo de las dos suites, es una de sus melodías más elegantes, cercana en su refinamiento a las célebres composiciones de los años 60.

Orquestación (no acreditada): Christopher Palmer.



Leer más »

Día 33: "2001. A space odissey" de Alex North (1968)


La elaboración de la compleja partitura de Alex North para el megaproyecto de ciencia-ficción de Stanley Kubrick 2001. A space odissey (2001. Una odisea del espacio) fue, como el título de la película, toda una odisea. Tras haber colaborado en 1960 con el realizador británico en Spartacus, éste, o quizás más bien los productores del filme, se pusieron en contacto para que el músico elaborara el score. Durante meses North compuso una de sus piezas orquestales más ambiciosas, caracterizada por la atonalidad casi majestuosa de sus temas, y destacando el tema principal, que se inspiraba abiertamente en el prólogo del poema sinfónico Así habló Zaratustra de Richard Strauss (y a requerimiento del propio Kubrick). Lo que North desconocía era la intención de éste de no contar con su música en el montaje definitivo, pues desde un principio le ocultó su auténtico deseo, que era incluir piezas clásicas. Y lo peor fue que Alex North se encontró con la desagradable sorpresa el mismo día del estreno de la película.
Su buen amigo Jerry Goldsmith siempre quiso que el score original fuese editado, al menos para que se diera a conocer la importancia de la música de North, quien, sin embargo, se negó a ello, al menos hasta que falleciera (1991). De esta manera, Goldsmith acabo grabando dos años después la partitura completa, dirigiendo a la Orquesta Filarmónica Nacional, en el que es, sin duda alguna, uno de los homenajes más sinceros y emotivos de la historia de la música.
Recientemente, en 2007, el magnífico sello Intrada volvió a editar el score, en esta ocasión sus grabaciones originales.
2001 es una obra sin igual en la década de los 60 (quizás sólo comparable a The planet of the apes de Goldsmith), y casi en el mundo de la música para el cine. Alex North dibujó todo un cuadro sinfónico en el que no hay lugar para lo predecible. No es un score de fácil audición ni acorde con las premisas del género; es, más bien, una creación de envidiable originalidad y fluidez temáticas que, evitando comparaciones con la banda sonora final, se muestra como un auténtico monumento artístico que evidencia el inagotable talento de un genio de nuestro tiempo. Lástima que otro genio no lo hubiera apreciado en su justa medida.


Leer más »

Día 32: "Powder" de Jerry Goldsmith (1995)


Powder (Pura energía) se sitúa cronológicamente entre First knight & Congo (1995) y City hall & The ghost and the darkness (1996). Como en el caso anterior de mi elección con Link, Powder es una obra que quizás no esté entre las más reputadas. Sin embargo, su tono melancólico y, hasta cierto punto, épico hace que la considere una de mis preferidas dentro de la extensa filmografía del maestro Jerry Goldsmith.
Partiendo de un leitmotiv típico del músico californiano, es decir, una melodía de tonalidades suaves y fondo enérgico, el score contiene todo lo mejor de Goldsmith, en especial su capacidad descriptiva (era apodado el camaleón por John Williams), que se acentúa en temas como Nightmare in the forest, aunque personalmente me quedaría con Jacobs ladder, que sólo aparece en la edición bootleg de la banda sonora (90 magníficos minutos en relación a los escasos 40 de la oficial).
Como en la mayor parte de las obras seleccionadas, en Powder hay un componente personal muy emotivo que hace que la perciba como más próxima, aunque si no existiese aún así sería un score imprescindible en la música de cine de los últimos años.
Orquestación: Arthur Morton.


Leer más »

Día 31: "Las 13 rosas" de Roque Baños (2007)


¡Qué gran músico es Roque Baños! En el, en ocasiones, estéril mundo de la música de cine española, Baños es una bocanada de aire fresco que nos reconforta y, a la vez, reconcilia con nuestra cinematografía. No es que no existan buenos compositores, que los hay (José Nieto, Javier Navarrete, Juan Bardem, Alberto Iglesias, Ángel Illarramendi), sino que el compositor murciano (Jumilla, 1968) a sus casi 40 años tiene una filmografía que sería la envidia de otros artistas ya inmortalizados. Su primera obra la escribió en 1997 y fue también la primera colaboración con el realizador Emilio M. Lázaro: Carreteras secundarias. Acababa de regresar de Nueva York donde estuvo estudiando en la prestigiosa Berkeley School of Music. Allí se familiarizó con la técnica en composición cinematográfica, algo que se intuye con claridad en su toque hollywoodiense. En ocasiones se le ha ‘acusado’ de carecer de estilo propio. Puede que sea en parte cierto, pero no lo es menos su gran talento y su inagotable capacidad creativa, algo que nos recuerda al Goldsmith de sus primeros momentos. En esta última colaboración con Martínez Lázaro, Baños realiza la que es posiblemente su pieza orquestal mejor acabada. Tras un tema central digno de toda alabanza, nos encontramos ante una serie de temas de exquisita elaboración donde las melodías evocadoras y finamente elaboradas nos seducen hasta convencernos de que uno de los mejores scores españoles de la década es Las 13 rosas.


Leer más »

Día 30: "Christopher Columbus" de Riz Ortolani (1985)


Cerca de 200 bandas sonoras, hasta la fecha, conforman la filmografía del músico italiano Riz Ortolani. Empezó su carrera en 1959 con Sábado negro, aunque al principio su labor en el mundo del cine se centró ante todo en la dirección orquestal, siendo el punto de inflexión su score para Mondo cane (1962), documental para el que compuso el que es uno de los temas más memorables del séptimo arte (y que muchos recordamos por ser la sintonía del programa de TVE Sábado cine).
En 1985 creó la partitura para la miniserie televisiva Christopher Columbus, realizada por Alberto Lattuada y protagonizada, entre otros, por Gabriel Byrne, Rossano Brazzi y Oliver Reed. Su música, en especial sus temas Primitive love y Christopher Columbus, describen con inusitada pasión el ambiente de la época ofreciendo un concierto que se aleja de las melodías previsibles. Ortolani tiene a su favor el entusiasmo latino a la hora de componer, tan cercano a autores como Morricone, Cicognini o Rota, y que siempre hace gala de una emotividad a prueba de frivolidades.



Leer más »

Día 29: "Stardust" de Ilan Eshkeri (2007)


Ilan Eshkeri lleva tan sólo 8 años en el mundo de la composición para el cine y la televisión. Poquísimo tiempo como para poder realizar un estudio comparativo de su obra, donde destaca Hannibal rising. En la presente Stardust, film protagonizado por Claire Danes, Michelle Pfeiffer y Robert de Niro, y dirigido por Mathew Vaughn, Eshkeri desarrolla una partitura de oscuras y briosas tonalidades claramente influenciada por el sinfonismo más clásico, donde autores como Wojciech Kilar o Alan Silvestri parecen ser parte importante de dicha influencia.
No cabe duda que el componente fantástico de la película obliga a Eshkeri a realizar una composición ambiciosa en lo orquestal y de ello se beneficia el resultado en pantalla, pues nos encontramos ante una obra (casi primeriza) de envidiable fuerza para un autor con tan poca experiencia. Cortes como Conoration o Prologue son tan sólo dos ejemplos de la energía de un compositor muy a tener en cuenta en futuras aventuras.
Orquestación: Robert Elhai, Nick Ingman, Julian Kershaw & Jeff Toyne.


Leer más »

Día 28: "Bed of roses" de Michael Convertino (1996)


No entiendo por qué un compositor de la talla de Michael Convertino sólo ha firmado desde 1984 una treintena de bandas sonoras. Children of a lesser god (1986) le encumbró como uno de los músicos con más futuro con tan sólo 32 años, gracias a un estilo a medio camino entre lo minimalista y el romanticismo más sutil. A partir de entonces combinó cine y televisión, destacando trabajos como The doctor, The Santa Clause o Guarding Tess.
En 1996 firmó el score de la película realizada por Michael Goldenberg Bed of roses (Mil ramos de rosas), una producción que pasó sin pena ni gloria y que la crítica despreció sin tapujos (Críticas EEUU), a pesar de resultar un filme interesante por su carácter abiertamente sentimental. Convertino compuso un score de marcada sensibilidad en el que brilla un tema principal aparentemente convencional y simple pero perspicaz en su sentido de lo práctico. Esa sencillez no es sinónimo de trivialidad, pues resulta en el fondo un modelo de lo que debe ser un eficiente tema de amor.
El resto de la partitura desarrolla una temática melancólica y apacible, que se apoya en una orquestación muy sólida a cargo de Bobby Muzingo, Conrad Pope y John Neufeld, curiosamente siendo estos dos últimos los habituales orquestadores de John Williams, algo que se nota en la magnífica producción de la banda sonora.
Enlaces de interés:



Leer más »

Día 27: "The journey of Natty Gann" de James Horner (1985)



1985 fue un año muy prolífico para James Horner: Cocoon, Commando, Volunteers, Amazing stories (TV),...., y The journey of Natty Gann. Para la sensible y familiar película de Jeremy Kagan, Horner compuso una partitura de evidentes tonalidades clásicas, muy delicada en su tema central y sin desdeñar pasajes abiertamente descriptivos en los que la orquesta se movía como pez en el agua.
El sello Intrada acaba de editar por primera vez (obviando los bootleg ya existentes) el score completo (unos 45 minutos). La grabación corresponde a los archivos del propio compositor y alude a un sonido quizás no muy notable debido al inevitable ruido de fondo típico de las cintas de la época. Sin embargo, y dejando de lado perdonables deficiencias técnicas, The journey of Natty Gann merece mucho la pena por ser una obra que muestra el nacimiento de un estilo ya inconfundible hoy en día y que, pese a las críticas por plagio en otros trabajos, es una banda sonora de aires reconfortantemente elegantes, un tanto alejados del score originalmente compuesto por Elmer Bernstein (y después rechazado), que seguía una línea más cercana al western de los sesenta.
Sus suaves melodías, encabezadas por el Main title y secundadas a su vez por el tema final To Seattle, son el exponente de un autor que desde sus comienzos supo como pocos plasmar en sus partituras la complejidad de la adaptación a las imágenes de la música, y no como mero ornamento sino como un elemento prioritario de una película.
Orquestaciones: Greig McRitchie.

Leer más »

Día 26: "Ladies in lavender" de Nigel Hess (2004)


Ladies in lavender (La última primavera) es una película realizada por el conocido actor Charles Dance protagonizada, con la solvencia que siempre las ha caracterizado, por Judi Dench y Maggie Smith, acompañados por Daniel Brühl y Natascha McElhone, quienes a pesar de sus interpretaciones más que destacables no consiguen elevar el vuelo de una dirección sin pasión, pese a la emotiva historia que describe.

Algo parecido sucede con la partitura compuesta por Nigel Hess, ya que se sitúa muy por encima de las apacibles pero superficiales imágenes. Su música, interpretada por la Orquesta Filarmónica Real del Reino Unido y por el sugerente violín de Joshua Bell, es una sucesión de temas inspirados en el más puro clasicismo (no en vano en la banda sonora se incluyen también piezas de Sarasate, Massenet, Debussy y Paganini), que no desmerecen en absoluto de los autores citados y con los que Hess desarrolla una obra de bellísimas sonoridades, en especial su delicado tema principal, donde el protagonismo del violín solista seduce desde los primeros compases.
La carrera profesional de Nigel Hess se ha cimentado en especial en el mundo de la televisión, y es una lástima que desde Ladies in lavender no haya vuelto a componer para la gran pantalla.

Enlaces de interés:
Orquestación: Nigel Hess.

Leer más »

Día 25: "Santa Claus" de Henry Mancini (1985)


Hoy en día la edición de música cinematográfica goza de una excelente salud, pese a las críticas en relación a la descarga no pagada a través de Internet. Polémicas aparte, lo que es indudable es que los aficionados tenemos, por fin, la oportunidad que antes no teníamos, es decir, poder disfrutar de un número más que considerable de ediciones oficiales gracias a la plausible labor de sellos tan destacables como Intrada, FSM o Varèse Sarabande. A ello ya había hecho alusión en un anterior artículo, pero en el caso de Santa Claus de Henry Mancini se produce una contradicción en ese sentido al no existir publicación en CD de la banda sonora (sólo en el año de su aparición y de distribución muy limitada).
Esperando que la injusticia sea reparada, hay que conformarse con la audición del más que lastimado LP, y lo está fruto de la reiteración en las escuchas, lo que demuestra su carácter de obra realmente sugerente y divertida por la que no pasan los años. Ahora que se acercan las fiestas navideñas, Santa Claus parece resurgir de mis recuerdos de juventud, cuando disfrutaba con sus maravillosas melodías. Desde el prólogo (Main title: Every Christmas Eve and Santa’s theme) hasta cortes de evidente influencia festiva como It’s Christmas again o Sleigh ride over Manhattan, no sin dejar atrás otros más incidentales (Arrival of the Elves o Match versus Santa) que refuerzan desde su colorido la magia de un score brillante y lúcido en su concepción, reflejo de un autor que demostró con él que no sólo de panteras rosas vivía Mancini.
Nota: Después de tantos años, al final el sello español Quartet Records ha acabado publicando la obra de Mancini. Información en quartetrecords.com

Enlaces de interés:


Leer más »

Día 24: "Dark Crystal" de Trevor Jones (1982)


Novena composición de un joven de 32 años llamado Trevor Jones. Estamos en 1982. Hablamos del músico sudafricano Trevor Jones, nacido en Ciudad del Cabo pero emigrado a Inglaterra a la temprana edad de 17 años. Allí empezó su fructífera carrera como músico cinematográfico. Dark Crystal (Cristal Oscuro), es, sin lugar a dudas, su obra más reconocida por los aficionados y, posiblemente, su partitura más insigne. Los que tuvimos la enorme suerte de disfrutar con su concierto de 2006 en el teatro Monumental de Madrid (¡magnífica Orquesta de RTVE!), pudimos sentir en directo la apasionada suite que cerró el espectáculo.
Es un score sin fisuras, perfecto, de una belleza pocas veces igualada y que sorprende por su brillantez y originalidad. Todos y cada uno de los temas son maravillosos, en especial el Finale y Love theme. El tema de amor es para el que suscribe uno de los más sensibles y evocadores de la historia de la música de cine.
La última edición, conmemorativa de su 25 aniversario, se presentó en un único disco reedición del original y con sonido remasterizado.
Absolutamente imprescindible.

Enlaces de interés:
Orquestación: John A. Coleman & Peter Knight.


Leer más »

Día 23: "Holocaust" de Morton Gould (1978)



Estrenada en 1978, Holocaust (Holocausto) ha sido una de las miniseries televisivas de mayor impacto de los últimos 30 años. Dirigida con pulso irregular por Marvin J. Chomsky y protagonizada por Joseph Bottoms, Ian Holm y Meryl Streep, Holocaust contó con la magistral composición musical de un autor muy poco dado a aventuras cinematográficas o catódicas: Morton Gould. Con tan sólo una decena escasa de partituras para el cine y la televisión, el músico nacido en Richmond Hill en 1913 ha legado con su score para la reputada serie una de las obras más insignes de la década de los 70.
Es una pieza orquestal de evidente influencia clasicista, no en vano Gould dedicó gran parte de su vida a las composiciones de concierto, y en todos y cada uno de sus temas se respira el aroma de lo académico. Es una auténtica lástima que aún no exista edición en CD de la banda sonora, tan sólo una suite sinfónica de cerca de 30 minutos editada por el sello Koch e interpretada por la Orquesta Filarmónica de Cracovia.
Un monumento artístico imperecedero, en el que brillan con luz propia los temas Main theme (archivo de Goear) y Elegy, modelos que permiten apreciar una obra sin igual dentro del mundo de la música para televisión.
Enlaces de interés:



Leer más »

Contacto

avilesbeach@gmail.com

Dedicatoria

A Florencio Herce y familia. Gracias por vuestra generosidad. Y, cómo no, a todos aquellos que me habéis mostrado vuestro apoyo.

Popular Posts

Blog Archive

Blogger templates

Buscar este blog

Related Posts with Thumbnails