Día 141: "Mimic" de Marco Beltrami (1997)


El compositor neoyorquino Marco Beltrami, de moda estos últimos dos años por sus nominaciones al Oscar por 3:10 to Yuma y The hurt locker, inició su carrera en 1994 con la serie de televisión Love street, a la que seguiría un cortometraje: The bicyclist. Su primer largo fue el olvidable melodrama deportivo Death match, y no sería hasta 1996 con la llamada de Wes Craven para componer el score de Scream que Hollywood le abriera de par en par sus puertas. Un año después, Beltrami escribió la partitura para uno de los filmes fantásticos más notables de la década: Mimic. El largometraje dirigido con energía por Guillermo del Toro pasó con más pena que gloria por las salas, aunque posteriormente alcanzó un gran éxito en su edición videográfica.
La música de Marco Beltrami es una revisitación de los cánones clásicos del cine de género, en los que impera una temática ampulosa y casi épica, en ocasiones algo hiperbólica, pero que en el caso de Mimic es el reflejo de un joven autor (la compuso con 30 años) que no evita las recreaciones tradicionales aportando su grano de arena estilístico.
Desde su imponente Main title, pasando por lo menos enfáticos Chased by a bug o Reunited, la banda sonora es, hoy en día, un pequeño gran clásico de la música cinematográfica gracias a su peculiar sentido de lo innovador dentro de lo conservador.

Orquestadores: Pete Anthony, William Boston & Marco Beltrami.



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Día 140: "On golden pond" de Dave Grusin (1981)

On golden pond (En el estanque dorado) fue el testamento cinematográfico de un gran actor: Henry Fonda. Curiosamente, recibió su único Oscar, y casi de manera póstuma, por dicha película realizada por Mark Rydell y coprotagonizada por Jane Fonda y Katharine Hepburn.
En cuanto a la música de Dave Grusin, su banda sonora aún está inédita en edición digital, así que no sería de extrañar que dentro de poco (posiblemente el próximo año, coincidiendo con el 30º aniversario) se publicara. El score de Grusin es un ejemplo de partitura sentimental apoyada en la elocuencia tonal de los instrumentos de cuerda, en especial del piano. Desde su Main theme, pasando por el célebre New Hampshire hornpipe o el más académico Season's end, la banda sonora muestra el especial talento del músico nacido en Colorado a la hora de evocar lo nostálgico y evocador de una historia que es un modelo tardío del Hollywood dorado.

Orquestador: Dave Grusin.



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Día 139: "Moon over parador" de Maurice Jarre (1988)


De vez en cuando en la historia de la música cinematográfica aparecen obras que seducen por su encanto y vivacidad. Es el caso de este jovial Presidente por accidente (Moon over Parador) de Maurice Jarre. La película de Paul Mazursky protagonizada por Richard Dreyfuss no pasará a la historia por sus valores artísticos, pero la partitura del añorado músico lyonés sí. ¿Por qué? Sin lugar a dudas por lo anteriormente comentado, además de por su delicadeza melódica y por su tonalidad fuera de lo común.
Jarre es un músico de formación clásica especializado en la percusión y en los ritmos tradicionales y exóticos. Gran parte de su obra contiene recreaciones de este tipo, como Lawrence of Arabia (1962), Villa rides! (1968), The Message (1976), A passage to India (1984) o I dreamed of Africa (2000). En Moon over Parador (de título realmente ingenuo en su distribución española), Maurice Jarre compone en definitiva una pieza orquestal dominada por un marcado colorido que impregna las imágenes de matices cromáticos vivos y exultantes, ofreciendo un concierto lleno de instantáneas musicales mágicas, frescas y memorables.
Nota: en el archivo de audio podéis escuchar, en un único corte, toda la banda sonora.

Orquestador: Maurice Jarre.



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Día 138: "Marco Polo" de Ennio Morricone (1982)


Situada entre El tesoro de las cuatro coronas y The Scarlet and the Black, Marco Polo fue una ambiciosa partitura de Ennio Morricone de una miniserie televisiva (www.imdb.com) no menos codiciosa en la producción. La música del maestro italiano sigue los cánones habituales en su obra, es decir, creación de un emotivo y sugerente tema central que se ve secundado por una serie de melodías en las que predomina lo delicado y lo dramático. Es una simbiosis que resulta, en la mayoría de sus bandas sonoras, muy sólida y que confiere a cada película de un refinamiento muy a la europea.
Marco Polo sigue dicho estilismo, pero en este caso profundizando en las raíces de la música tradicional. Es un viaje, como el del propio protagonista, a través de la historia de las culturas de las civilizaciones orientales, y en él Morricone plasma con eficiencia el apasionamiento de un personaje más allá de lo ordinario.

Orquestador: Ennio Morricone.



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Día 137: "True women" de Bruce Broughton (1997)


Coraje de mujer (True women) es un telefilm protagonizado por Dana Delany, Annabeth Gish, Angelina Jolie y Charles S. Dutton, y realizado por Karen Arthur, que cuenta con una de las partituras para televisión más sobresalientes en mucho tiempo. ¿Su compositor? Bruce Broughton. Casi todos los aficionados tienen entre sus bandas sonoras favoritas Silverado (1985) y Tombstone (1993), dos westerns desiguales pero con creaciones musicales magistrales. Pero la relación de Broughton con el cine del oeste no se ciñe sólo a la gran pantalla, pues también creó para la televisión scores como Gunsmoke (1975), The Oregon trail (1977), How the west was won(1977), Cowboy (1983), Oh Pionners! (1992) o The ballad of Lucy Whippie (2001). Para True women el músico californiano, y parafraseando sus propias palabras, compone una partitura que intenta reflejar el contenido emocional de un hecho histórico a través de melodías apasionadas, abiertamente dramáticas (imprescindible escuchar el tema Night raid) y emocionalmente ricas.
Interpretada por la más que solvente Sinfonia of London, con la que ya ha trabajado en diversas ocasiones (las más celebradas Silverado y Young Sherlock Holmes), True women es, en definitiva, una obra de valiosos recursos tonales que sumerge al oyente en una experiencia musical única por su rica instrumetación al más puro 'estilo americano' (Aaron Copland y Jerome Moross se sentirían orgullosos), además de por sus melodías lúcidas y de perfecto acabado, con claridad alejadas de lo meramente incidental.



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Día 136: "Dad" de James Horner (1989)

Compuesta entre Honey, I shrunk the kids y Glory, y en un momento de la carrera de James Horner de enorme éxito profesional y artístico (Cocoon, Willow, Field of dreams, The land before time,...), Dad es uno de sus scores más representativos de su faceta intimista y familiar.

De la película interpretada por Jack Lemmon, Ted Danson y un jovencísimo Ethan Hawke poco o nada se recuerda, pero de la música de Horner queda su especial talento en el dibujo de los personajes y, sobre todo, en el extremadamente delicado tratamiento de la historia, todo ello a través de temas apoyados en una instrumentación protagonizada por la cuerda y los sintetizadores, muy en la línea de Field of dreams.
Dad no es una de sus obras maestras, pero sí uno de sus trabajos más emotivos gracias a una sencillez alejada de lo tedioso.

Orquestador: Greig McRitchie.

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Día 135: "Defiance" de James Newton Howard (2008)


Uno de los último trabajos editados hasta la fecha por el gran compositor James Newton Howard es Defiance (Resistencia), en el que vuelve a contar con la inestimable colaboración del violinista Joshua Bell. La banda sonora es relativamente cercana en lo melódico a The village, aunque difiere sobre todo en su vertiente dramática, terreno en el que Howard se mueve con enorme facilidad y soltura.
A través de una temática elocuente en la descripción de situaciones, el score resulta en más de un momento brillante y contiene esa especial capacidad de Newton Howard para sobrecoger con momentos de intenso dramatismo en los que los metales provocan una sombría sensación de desesperanza.
La película de Edward Zwick, con el que ya había colaborado en su anterior producción, Blood diamond, fue recibida con disparidad de opiniones por parte de la crítica especializada, todo lo contrario que con el score, quien realza en más de un momento el componente trágico descrito en la película.

Orquestadores: Jeff Atmajian, Brad Dechter & Randy Kerber.



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Día 134: "Marjorie Morningstar" de Max Steiner (1958)


Marjorie Morningstar es uno de los scores más sobresalientes de uno de los maestros de la música de cine: Max Steiner. Es una banda sonora realmente brillante por su frescura y capacidad de seducción; sin embargo, no esperéis el conocido estilo Steiner de grandiosidad y clasicismo, sino más bien un gran fresco musical donde tienen cabida multitud de géneros, en especial un swing vibrantemente sinfónico. Screen Archives presentó en abril de 2006 la grabación completa que incluye diversos temas compuestos por otro gran artista: Ray Heindorf.
En el archivo podréis disfrutar precisamente de uno de esos cortes donde Heindorf dibuja a la perfección la ambientación urbana tantas veces escuchada en las películas de los años 50 (en particular en la mayoría de los musicales). En cuanto al segundo, es obra de Steiner y en él recrea con inconfundible prestancia el universo romántico del filme en una sublime adaptación de la canción de Sammy Fain. A escuchar una y otra vez.
Orquestadores: Murray Cutter & Gus Levene.





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Día 133: "The return of the king" de Howard Shore (2003)


Cada cierto tiempo, el mundo de la música cinematográfica lega al arte una obra maestra digna de perdurar para siempre. Cada cierto tiempo, un músico destapa las esencias de la belleza y nos regala con su don una obra de envidiable sensibilidad. Howard Shore parecía esperar entre bastidores hasta la llegada de una oportunidad que le permitiera mostrar todo su inagotable talento. En 2001 publicó The fellowship of the Ring, a la que seguirían The Two Towers y The return of the king (El retorno del rey), configurando una trilogía sinfónica sobre The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos) de más de 10 horas de impresionante color melódico.
Destacar un único tema de entre la gran variedad que conforma el score completo es siempre aventurado, pero una vez inmersos en la tarea sobresale uno, subjetivamente tratado, que es The crack of doom, pasaje incidental de la tercera parte pleno de fuerza y modelo de orquestación. Un hito en la historia de la música contemporánea.
Orquestador: Howard Shore.


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Día 132: "The curious case of Benjamin Button" de Alexandre Desplat (2008)


The curious case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button) es la confirmación de que Alexandre Desplat es uno de los artistas más sobresalientes de la actualidad. La partitura, un maravilloso cuadro musical en forma de valse lente, recorre el pentagrama dibujando excelsas y melancólicas notas circundantes, muy en la línea del maestro Bernard Herrmann.
Desplat compone un tema principal reiterativo pero desarrollado primorosamente; es una melodía plácida, como una siesta a la sombra de un árbol en plena primavera, y que sumerge al oyente en una especie de ensueño musical de apariencia simple pero de fondo perturbadoramente seductor. No convencerá a aquellos que busquen orquestaciones fanfárricas o ampulosas, sino más bien a los aficionados que disfruten con los platos exquisitamente preparados y servidos.
Orquestadores: Alexandre Desplat, Joseph Newlin, Conrad Pope, Nan Schwartz, Clifford J. Tasner & Philip Klein.



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Día 131: "Bad day at Black Rock" de André Previn (1955)

André Previn es uno de esos músicos cinematográficos que durante su carrera han estado en un aparente segundo plano pero que, en el fondo, son auténticos profesionales que han legado magníficas partituras al séptimo arte. Empezó muy pronto a trabajar en Hollywood, en particular en el departamento de la Metro como arreglista de musicales y a la tempranísima edad de 17 años. En la década de los 50 sorprendió su apabullante estilo clásico que impregnó sus arreglos de un toque inusitadamente profesional para su juventud. Del músico berlinés sobresalen trabajos como Elmer Gantry (1960), The four horsemen of the Apocalypse (1962), Irma la Douce (1963) o Bad day at Black Rock (Conspiración de silencio) (1955). Esta última corresponde a un film de John Sturges protagonizado por Spencer Tracy y que Previn compuso con 26 años. Es un score muy poderoso en las orquestaciones y del que destaca su enérgico y, hasta cierto punto, ampuloso Main title. El resto de la banda sonora recorre el estilo propio de las partituras cinematográficas de los años 50, caracterizado por su intensidad en el subrayado argumental, que enfatiza la acción pero sin imponerse al desarrollo de la historia.

Orquestadores: Leo Arnaud, Alexander Courage, André Previn & Wally Heglin (no acreditados).
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Día 130: "The treasure of the Sierra Madre" de Max Steiner (1948)


Max Steiner ha sido desde siempre el máximo representante del llamado 'sonido Hollywood', caracterizado por su clasicismo enérgico de clara inspiración romántica, aunque sin evitar influencias más contemporáneas de compositores como Strauss o Prokofiev. Sin embargo, las creaciones de Steiner parecían tener ese don tan especial que poseen los artistas creadores de un estilo en apariencia similar a otros pero, en el fondo, de fuerte personalidad estilística.
Su ingente producción, superior a las 250 bandas sonoras, no es sinónimo de reiteración, pues prácticamente todas sus partituras tienen el carácter y la originalidad suficientes como para ser estudiadas y respetadas individualmente. Muy pocos compositores poseen dicha virtud.
En el caso particular de The treasure of the Sierra Madre (El tesoro de Sierra Madre), Steiner volvió a tener entre sus manos un material cinematográfico de indudable calidad. La soberbia película dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart y Walter Huston, es un modelo de cine intachable. El score de Steiner se centra en lo tradicional de la música mejicana, pero adornándolo con su inconfundible estilo lleno de expresividad sinfónica, con una temática alejada de lo redundante y describiendo a los personajes como si cada una de las notas formara parte del propio guión.

Orquestador: Murray Cutter.
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Día 129: "Empire of the sun" (1987) de John Williams


Compuesta entre The witches of Eastwick y The accidental tourist, Empire of the sun (El imperio del sol) es una demostración más del inagotable talento melódico de John Williams, quien firma una banda sonora impecable en su producción y posiblemente una de sus obras mejor definidas estilísticamente.
Partiendo del tema vocal inicial de aires orientales, Suo gan, el genio neoyorquino describe con su habitual prestancia todas las situaciones de la película, sin dejar nada al azar. Sus temas se sitúan entre lo épico (Cadillac of the skies) y lo emotivo (Imaginary air battle), pero sin dejar de lado todas las acciones argumentales que inciden en lo trágico y sobrecogedor (Lost in the crowd, The pheasunt hunt).
Es, en definitiva, una obra de perfecto acabado, sin ningún altibajo, que situó definitivamente a Williams en lo más alto de la música de cine de los últimos 30 años.

Orquestador: Herbert W. Spencer.


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Día 128: "Dragonslayer" de Alex North (1981)

En un reciente vídeo sobre la vida y la obra del músico argentino Lalo Schifrin, éste afirmaba que su compositor preferido era Alex North; su admiración fue cimentada a partir de Espartaco, película que vio una y otra vez sólo por escuchar el magistral score de North.

Todas y cada una de las obras del músico nacido en Chester (Pensilvania) son referente de un arte sin fisuras en el que no hay lugar para la improvisación carente de contenido. Alex North es un genio de nuestro tiempo, un artista sin igual que marcó una época por su carácter abiertamente ecléctico.

Dragonslayer (El dragón del lago de fuego) fue su penúltima nominación al Oscar y un triunfo por su valentía en la composición. Evitando casi en todo momento la tonalidad tradicional de las producciones Disney, la banda sonora se caracteriza por una inusitada instrumentación deudora de grandes músicos como Stravinsky, Boulez o Schoenberg.

North describe un mundo fantástico desde lo profundamente dramático, en una especie de sinfonía de lo sombrío que huye de las evidentes y “placenteras” tonalidades tan afines al Hollywood más conservador, salvo momentos aislados como el tema de amor que podéis escuchar en el vídeo.


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Día 127: "Signs" de James Newton Howard (2002)


Como en los casos de Herrmann/Hitchcock, Williams/Spielberg, Goldsmith/Schaffner, Grusin/Pollack, Jarre/Lean o Elfman/Burton, la pareja formada por James Newton Howard y el realizador M. Night Shyamalan forma un tándem realmente sugerente desde el punto de vista musical. Evitando consideraciones críticas sobre las películas, todas y cada una de las bandas sonoras que conforman dicha relación tienen en común una austeridad no exenta de complejidad formal en la composición temática.
En el caso particular de su tercera colaboración, Signs (Señales), Howard elabora un score cuyo punto de partida es posiblemente uno de los Main titles más impactantes de los últimos años. Desde ese prólogo lleno de adrenalina musical, el artista californiano, apoyado en la labor modélica de sus tres orquestadores, dibuja una obra reiterativa tonalmente pero no desde lo vulgar sino desde la firmeza a la hora de subrayar el argumento, para concluir posteriormente con una especie de apoteosis sinfónica que demuestra la grandeza de un autor sin igual en su estilo en el panorama actual.

Orquestadores: Brad Dechter, Jeff Atmajian y Pete Anthony.


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Día 126: "The Mission" de Ennio Morricone (1986)


Sólo dos compositores han recibido un Oscar honorífico: Alex North y Ennio Morricone. Indudablemente, ambos galardones son justo exponente de dos carreras musicales de intachable profesionalidad. Es de suponer que la Academia quiso con dicho reconocimiento hacer justicia a dos autores que nunca con anterioridad habían recibido el premio, sin duda una de las injusticias más destacadas de su historia como institución.
En el caso del compositor italiano, fue nominado en 5 ocasiones (Days of Heaven, The Misssion, The Untouchables, Bugsy y Malèna), siendo The Mission (La Misión) un caso peculiar, pues era en 1986 la banda sonora favorita (fue "derrotada" por una obra menor: The round midnight de Herbie Hancock).
The Mission es posiblemente el score orquestal original más vendido de la historia del cine después del Titanic de Horner y Out of Africa de Barry. Se trata de una composición estructurada en dos partes claramente diferenciadas: una primera caracterizada por sus melodías de intensa melancolía, y una segunda de marcado matiz melodramático.
Morricone siempre ha sido un artista peculiar por su incesante producción. Sin embargo, este aparente exceso en la composición no impide que la gran mayoría de sus obras sean historia viva del séptimo arte por su belleza y, sobre todo, por su sentido de lo práctico.

Orquestador: Ennio Morricone.


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Día 125: "Silverado" de Bruce Broughton (1985)


Entre 1985 y 1990 el músico californiano Bruce Broughton compuso gran parte de sus bandas sonoras más significativas: Young Sherlock Holmes, The boy who could fly (ya comentadas en el blog), Silverado, Sweet Liberty, Harry and the Hendersons, The Monster Squad, Moonwalker, The old man and the sea y The rescuers down under. Todas ellas, y otras posteriores del calibre de Tombstone, Baby's day out, Lost in space o True women, conforman una carrera musical de primer orden que ha hecho de Broughton uno de los músicos preferidos de los aficionados.
Silverado es su única nominación al Oscar y constituye su score más reconocido internacionalmente junto a Young Sherlock Holmes. Para su elaboración Bruce Broughton recurrió a fuentes como Aaron Copland, Leonard Bernstein, Elmer Bernstein o Jerome Moross, pero dotando a su obra del suficiente carácter como para considerarla una obra maestra. Silverado no evita dicho academicismo, más bien todo lo contrario, pues desarrolla una serie de temas de inconfundible aroma norteamericano que son el exponente de un autor de gran personalidad del que siempre se espera lo mejor.

Orquestadores: Chris Boardman y Don Nemitz.


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Día 124: "Enemy mine" de Maurice Jarre (1985)


Dentro de poco se cumplirá un año del fallecimiento de uno de los grandes músicos del siglo XX: Maurice Jarre. Desgraciadamente ya no volveremos a disfrutar de nuevas obras creadas por él, pero sí podremos saborear y recordar sino todos al menos un buen número de sus scores para la gran pantalla.
En esta segunda incursión en su filmografía, tras Tai-Pan, que es Enemy mine (Enemigo mío), el compositor francés se encontraba en una etapa (años 80) en la que parecía decantarse por las bandas sonoras de marcado tono electrónico (Fatal attraction, Witness, The Mosquito Coast,...), y la citada Enemy mine no fue una excepción. Sin embargo, no todo el score se centra en la música compuesta desde el sintetizador, pues la segunda parte (en concreto la cara B de su edición original en vinilo) mostraba el lado más clásico de Jarre, abriéndose con un enérgico Spring, al que seguiría una serie de temas de imponente orquestación, fiel reflejo del estilo depurado de un autor sin igual que casi siempre sedujo por su elegancia y sobriedad.

Orquestadores: Maurice Jarre y Christopher Palmer.


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Día 123: "The boys from Brazil" de Jerry Goldsmith (1978)


Desde The stripper, en 1966, hasta Lionheart (1987) el vínculo entre el realizador Franklyn J. Schaffner y el compositor Jerry Goldsmith fue uno de los más fieles y enriquecedores de la historia del cine. Ya he hecho alusión a él con anterioridad, y fue precisamente con su última colaboración. Pero la que es quizás, junto con The planet of the apes, su obra más redonda en esta colaboración es The boys from Brazil (Los niños del Brasil), compuesta muy poco tiempo después de haber recibido su merecido Oscar por The omen.
El filme de Schaffner, protagonizado por Laurence Olivier, James Mason y un sobreactuado Gregory Peck, no parece soportar demasiado bien el paso del tiempo, todo lo contrario que el score de Goldsmith, sin la menor duda una de las obras maestras de la música del siglo XX. Partiendo de su célebre vals inicial, el genio californiano recrea con envidiable pericia un mundo gobernado por la ambición y el sadismo, todo ello a través de una temática profundamente dramática, imponente en su desarrollo orquestal y que seduce gracias a su fastuoso sentido de lo clásico.

Orquestador: Arthur Morton.


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Día 122: "Paint your wagon" de Frederick Loewe, André Previn & Alan Jay Lerner (1969)


Brigadoon, Gigi, My fair lady, Camelot, Paint your wagon y The little prince son las películas que tienen como principales protagonistas no a sus actores sino a unos genios del siglo XX: el compositor Frederick Loewe y el letrista (y guionista) Alan Jay Lerner. Todas y cada una de sus creaciones forman parte de la historia del musical, bien sea de Broadway (teatral) o de cine.
La selección del blog procura, en lo posible, centrarse en obras originales para el cine o la televisión, pero siempre hay excepciones que confirman la regla. Una de ellas es Paint your wagon, de singular título en su estreno español: La leyenda de la ciudad sin nombre. Estrenada originariamente en 1947 en Broadway, el musical es una alocada pero inspiradísima comedia que toma como referencia a los buscadores de oro. Para la versión cinematográfica, el dúo Lerner & Loewe volvió a recurrir al cineasta Joshua Logan, con quien ya habían colaborado dos años antes (1967) en Camelot. Curiosamente, Paint your wagon fue su última película como realizador, diciendo las malas lenguas que fue debido al fracaso (muy relativo) en taquilla.
Los arreglos del score corrieron a cargo de Nelson Riddle, quien realizó una más que notable adaptación de una obra llena de canciones memorables, destacando I'm on my way, They call the wind Maria, There's a coach comin' in, y sobre todo Wand'rin Star, auténtico referente de todas las composiciones de Lerner & Loewe, enriquecida por la emotiva interpretación de Lee Marvin.
Sin embargo, no todas las canciones fueron de Frederick Loewe, pues para la adaptación a la gran pantalla André Previn compuso la música de cinco nuevas canciones: The first thing you know, A million miles away behind the door, The gospel of No Name City, Best things y Gold fever.

Orquestadores: Nelson Riddle y Willard Jones.
Arreglos corales: Joseph J. Lilley.


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Día 121: "The kentuckian" de Bernard Herrmann (1955)


En el libreto de la edición de Tribute Film Classics de los scores completos de Bernard Herrmann (www.bernardherrmann.org/) para The kentuckian (El hombre de Kentucky) (1955) y Williamsburg. The story of a patriot (1956), el director orquestal y productor del proyecto, William Stromberg, afirma que “Herrmann tenía un don a la hora de escribir maravillosamente música americana nostálgica y expresiva”. Es una descripción perfecta de lo que significa la creación artística del genio neoyorquino. Herrmann es ya considerado hoy en día como uno de los compositores norteamericanos más influyentes del siglo XX, y las dos partituras presentes en la edición aparecida en septiembre de 2008 son una muestra de su talento a la hora de dibujar a través del pentagrama un mundo pleno de delicadeza, elegancia, melancolía, energía y solidez.
En el caso de The Kentuckian, filme dirigido e interpretado por Burt Lancaster, Herrmann realiza una de sus escasas incursiones en el western, aunque en este caso muy alejado de los cánones de las majors de Hollywood. Es un score que cobra vida propia fuera de la pantalla (como debe ser en toda obra maestra) para ofrecernos en definitiva todo un festival lúcido y épico. Además es de destacar la excelente interpretación de la Orquesta Sinfónica de Moscú. Imprescindible en cualquier discoteca.

Orquestación: Bernard Herrmann.


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Día 120: "Hawaii" de Elmer Bernstein (1966)


Uno de los más grandes músicos del séptimo arte: Elmer Bernstein. En su carrera resplandecen obras como The Ten Commandments (1956), The magnificent seven (1961), Walk on the wild side (1962), The great escape (1963), Thoroughly modern Millie (1967) [su único Oscar], McQ (1973), Heavy metal (1981), The black cauldron (1985), The grifters (1990), The age of innocence(1993), ….y tantas otras bandas sonoras sobresalientes que se podría llenar el blog dedicado ‘solamente’ a su figura.
Con un estilo caracterizado por una aparente grandilocuencia, Bernstein es representante de un tipo de composición de fuertes raíces norteamericanas, además de ser mundialmente conocido por ser el creador de las míticas melodías de The magnificent seven y National Geographic.

En 1966 compuso la música para un irregular film dirigido por George Roy Hill: Hawaii (Hawai). Protagonizado por unos emergentes Julie Andrews, Max von Sydow y Richard Harris, la película se beneficia de la soberbia partitura de Bernstein.
En su Prologue el músico neoyorquino consigue transportar al oyente al seductor y exótico mundo de las islas Hawai gracias a unas melodías de sorprendente frescura y acabado perfecto. A escuchar una y otra vez.

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Día 119: "Le Jaguar" de Vladimir Cosma (1996)


Vladimir Cosma (Bucarest, 1940) es uno de los músicos cinematográficos más reconocidos en Francia debido a su muy extensa filmografía para el cine galo. Desde 1966 hasta hoy en día, Cosma se ha forjado una más que merececida reputación de compositor profesional que sabe dotar a sus obras de un toque sensible y estilizado. De entre sus bandas sonoras se pueden destacar L'as des as, Les fugitifs ou Le dîner des cons.
En 1996 compuso el score de Le Jaguar (El Jaguar), comedia de aventuras exóticas dirigida por Francis Veber y protagonizada por Jean Reno y Patrick Bruel, y que cuenta con un tema central, Ouverture, que es un modelo de perfección melódica. Además la excelente interpretación de la Orquesta Sinfónica de Londres contribuye a realzar aún más la calidad del tema. El resto de la partitura recorre los caminos trillados del género, pero es un exponente de un estilo academicista en el que la sencillez no es sinónimo de vulgaridad.

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Día 118: "King Kong lives" de John Scott (1986)


Si se observa el barómetro de Internet Movie Date Base sobre King Kong lives (King Kong 2), habitualmente las calificaciones suelen ser superiores al 5. En el caso de la continuación de la película realizada en 1976 por John Guillermin King Kong, y de nuevo revisitada por el director inglés 10 años después, la nota no supera el 3,5. Es posiblemente la demostración de que el loable intento por parte del productor Dino de Laurentiis de resucitar el mito debió quedarse en un mero ensayo escrito.
Sin embargo, y como suele suceder en otras muchas producciones, King Kong lives sobrevive hoy en día gracias a la música compuesta por un autor casi siempre olvidado por las majors de Hollywood: John Scott. Autor de obras maestras como Man on fire, Greystoke o Lord Mountbatten, el músico de Bristol parece olvidarse del material que debería inspirarle para centrarse en la creación de un score alejado de situaciones pueriles y superficiales, dibujando una obra de imponentes melodías, espectacular en cada uno de sus temas y que seduce gracias a su peculiar sentido de lo épico.

Orquestador: John Scott.


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Día 117: "The sum of all fears" de Jerry Goldsmith (2002)


Jerry Goldsmith. Todos añoramos sus melodías insuperables y su capacidad de sorprender en cada nuevo proyecto. En la historia del cine ha habido, y habrá, grandes artistas que legaron su maestría para disfrute de todos los amantes de lo exquisito. De entre sus maravillosos scores podemos recordar temas de sublime belleza (Powder, Ruby, Chinatown, Poltergeist, First blood, Bandolero, Star Trek,.....) que permanecerán en el recuerdo para siempre.
En 2002 compuso una de sus últimas bandas sonoras, The sum of all fears (Pánico nuclear), cuyo tema principal, The mission, es una especie de testamento musical y ejemplo de la capacidad de un autor para crear desde la delicadeza y la brillantez. Por cierto, imperdonable que no fuera nominado al Oscar a la mejor canción. El resto del score quizás no esté a la altura del mencionado tema pero es un perfecto exponente del estilo eficientemente descriptivo del músico californiano.

Orquestador: Mark McKenzie.
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Día 116: "The Goonies" de Dave Grusin (1985)


Hemos tenido que esperar 25 años para ver publicada oficialmente la banda sonora del gran compositor norteamericano Dave Grusin The Goonies (Los Goonies). Poco a poco parece que los grandes sellos discográficos nos están regalando ediciones de auténtico lujo de obras incunables que, aunque, como en el caso de la reseñada, tengan ya publicaciones bootleg o limitadas (Japón en 1998). Ahora es Varèse Sarabande quien nos brinda una nueva oportunidad de disfrutar de un score muy alejado de sus obras tradicionales en las que predomina su estilo jazzístico, aunque sin evitar un acompañamiento orquestal generalmente muy bien diseñado.
The Goonies es una película como poco entrañable por su clasicismo y su sentido del espectáculo para adolescentes alejado de lo superficial. Grusin tuvo con ella la oportunidad de dar rienda suelta a su talento como creador de una temática ambiciosa en las orquestaciones y deudora del espítiru de Korngold y Steiner.
Partiendo de un juguetón Main title, Dave Grusin desarrolla una banda sonora divertida, jocosa y llena de momentos inspirados que ahora recuperamos para nuestro deleite. Gracias, Varèse.

Orquestador: Dave Grusin.
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Día 115: "Alatriste" de Roque Baños (2006)


Todo empezó en 1997 con la película de Emilio Martínez Lázaro Carreteras secundarias. Con poco menos de 30 años el compositor nacido en Jumilla (Murcia) empezaba una carrera profesional que, vista desde la perspectiva actual, constituye una rara avis dentro del panorama musical del cine español debido a su eclecticismo y competencia.

No es casual la elección de Alatriste, la segunda en el blog tras su otra obra maestra, Las 13 rosas. Y ello es así porque el pasado miércoles asistí al concierto que tuvo lugar en el Auditorio Nacional (Madrid) en el que el músico murciano realizó un apasionante, y muy ovacionado, paseo por algunas de sus piezas más destacadas, entre las que se encontraban algunas no cinematográficas. Fue un evento en el que volví a disfrutar, aún más si cabe, de un autor de un talento extraordinario que merece cuanto antes oportunidades en otras cinematografías.

En cuanto a la que Roque Baños considera su banda sonora más completa, Alatriste, es una pieza sinfónica de sonoridades próximas a la tradición musical española (Albéniz, Falla, Granados), pero que también bebe de fuentes tan influyentes como Ravel o Goldsmith. Baños nos seduce no sólo por su bello tema de amor sino sobre todo por los temas centrados en el lado más dramático de la película, aquel en el que los personajes se ven abocados a un desenlace desesperanzado. Un gran score de un magnífico artista.

Orquestador: Roque Baños.



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Día 114: "The adventures of Robin Hood" de Erich W. Korngold (1938)


En justicia, después del Robin Hood contemporáneo de Michael Kamen llega el Robin Hood clásico del autor quizás más clásico: Erich Wolfgang Korngold. La película del gran Michael Curtiz, The adventures of Robin Hood (Robin de los bosques) forma parte por méritos propios de la historia del séptimo arte. Su ritmo frenético y su galería de personajes (y actores) más allá de lo emblemático son parte viva de la infancia y de la adolescencia de varias generaciones de cinéfilos.
En cuanto a la partitura del maestro Korngold, ha sido analizada una y mil veces, al igual que el resto de su filmografía, corta (cerca de 20 bandas sonoras) pero intensa. No es el momento de examinar su obra sino de alabar este Robin Hood pleno de eficacia y energía, espejo de lo mejor de la música de cine y modelo de un músico con mayúsculas que componía en muchos casos (al menos esa es su leyenda urbana) desde la improvisación, pues según parece escribía gran parte de sus partituras mientras visualizaba las películas.

Orquestadores (no acreditados): R. H. Bassett y Milan Roder.


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Día 113: "Robin Hood: Prince of thieves" de Michael Kamen (1991)


Hasta quince orquestadores (incluido el propio autor) hicieron falta para el score de Michael Kamen para la película de Kevin Reynolds Robin Hood: Prince of thieves (Robin Hood: Príncipe de los ladrones). Posiblemente sea la banda sonora más arreglada de la historia, y en este sentido es difícil saber hasta qué punto es una obra de Kamen. No obstante, su inconfundible estilo está presente en toda ella, y a buen seguro que dichos orquestadores han sido necesarios por dos motivos: la complejidad de la composición y la premura de tiempo de cara al estreno.
Recuerdo el día que la vi, antes de haber escuchado su música, y todavía hoy permanece en mi memoria el impacto que me produjo su Main title. Es un ejemplo perfecto de lo que debe ser un prólogo espectacular y sutilmente elaborado. A partir de este inicio Kamen desarrolla todo un conjunto sinfónico que se limita, en apariencia, a subrayar la trama, pero que, en el fondo, resulta una partitura de compleja estructura temática que aún hoy en día es un clásico de la música cinematográfica.

Orquestadores: Chris Boardman, Harvey Coen, Don Davis, Richard Davis, Jack Hayes, Elliot Kaplan, Albert Olson, Lolita Ritmanis, Patrick Russ, William Ross, Michael Kamen, Jonathan Sacks, Brad Warnaar, Mark Watters y Bruce Babcock.


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Día 112: "Telegrafisten" de Randall Meyers (1993)


El bellísimo Love theme compuesto por Randall Meyers para Telegrafisten (El telegrafista), film dirigido en 1993 por Erik Gustavson, fue el motivo incidental del tráiler de El paciente inglés (The english patient), aunque muchos pensaban que era el score original de Gabriel Yared. Desde entonces, dicha melodía y el resto de la banda sonora aún permanecen como incunables, pues la edición discográfica se publicó en su momento de manera muy limitada.
La obra del compositor norteamericano, de apenas 20 scores entre televisión y cine, es una auténtica incógnita, y la mayoría de ellos pertenecen a películas nórdicas de escasa repercusión internacional. La única quizá con reconocimiento a través de festivales ha sido este Telegrafisten, en la que Meyers deslumbra por su hipnótico sentido de lo romántico, tan del gusto de la cinematografía del viejo continente, pero sin dejar de lado ese componente también tan afín a la misma como es la temática cercana a la melancolía vital.


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Día 111: "Obsession" de Bernard Herrmann (1976)


Bernard Herrmann, el gran maestro. Bernard Herrmann, el artista incomprendido. Casi todos los grandes e inmortales genios fueron, en mayor o menor medida, creadores insuficientemente valorados en vida. Herrmann no fue una excepción. Durante su extensa y fructífera relación con el mundo del cine, el músico neoyorquino siempre se sintió aparte del ambiente hollywodiense. Para él la creación musical iba más allá del séptimo arte y sus obras para la gran pantalla nunca tuvieron en su fuero interno un lugar de preferencia, aunque casi todas ellas perduren hoy en día como obras maestras (Citizane Kane, The magnificent Ambersons, The ghost and mrs.Muir, Vertigo, Marnie). Desde su ruptura con Alfred Hitchcock a raíz de Torn curtain (1966), Herrmann se refugió en la apacible campiña inglesa y en producciones europeas como Fahrenheit 451, La mariée était en noir, The battle of Neretva o The night digger.
Su penúltimo trabajo fue el segundo encargo del joven realizador Brian de Palma tras Sisters: Obsession (1976). El director norteamericano, que por aquel entonces tan sólo tenía 35 años, estaba hechizado por el cine de Hitchcock y, como es obvio, recurrió a su alma gemela para ambientar musicalmente sus películas. Fascinación (Obsession), confeso homenaje a Vértigo, es un film irregular, recargado en su fotografía pero con momentos de sorprendente brillantez. El score de Bernard Herrmann está muy por encima de la película y en más de una ocasión se tiene la sensación de que la desborda por completo. Es una obra que traspasa las imágenes y cobra vida propia fuera del celuloide, como todas las grandes composiciones para el cine. Herrmann dibuja un mundo dominado por la angustia y la obstinación a través de una orquestación radiante que da protagonismo a casi todos los instrumentos solistas de la orquesta, en especial la flauta, el oboe y el arpa. Todos los temas contienen la luz y las sombras tan queridas a Herrmann, pues el claroscuro domina la obra con sus melodías evocadoras, a la vez que inquietantes. Memorable por su maestría, Fascinación ha pasado a la historia del cine no por los valores del film sino por la perfección de su música.

Orquestadores: Bernard Herrmann y Christopher Palmer (no acreditado).



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